EL MAESTRO QUIROGA, Todo sobre él

 

Manuel López-Quiroga Miquel nació en Sevilla el 30 de enero de 1899 y falleció en Madrid el 13 de diciembre de 1988, era conocido como el Maestro Quiroga, pianista, compositor y autor de cuplé y copla, además de uno de los componentes del trío de autores Quintero, León y Quiroga. Su padre tenía un taller de grabador, y ese fue el oficio que enseñó a su hijo, al mismo tiempo que ejercía como organista en la iglesia de los jesuitas de la calle de Jesús del Gran Poder, de Sevilla, gracias a otro organista que se ofreció a enseñarle música. Además, realizó sus estudios en el Conservatorio Municipal de Sevilla, e hizo la carrera de magisterio y realizó estudios de pintura y dibujo en el Museo de Sevilla, pero lo suyo era la música. 

Con tan solo 20 años ya había estrenado tres zarzuelas: "El presagio rojo", "La niña de los perros" y "Sevilla, qué grande eres". Y en 1929 viajará a Madrid, donde sigue componiendo al tiempo que toca en teatros y cabarés. Desafortunadamente, la música no llegaba para pagar las facturas, por lo que tuvo que recurrir al oficio familiar de grabador.

En 1929 se traslada a Madrid. Por aquellos años, el ambiente musical en España estaba copado por el cuplé, la zarzuela y las coplas folclóricas regionales. Tras muchas horas de trabajo en su estudio y en los cafés cantantes y cabarés de Madrid, el maestro fue perfilando un nuevo estilo, la tonadilla, diferenciada de las canciones regionales, del cuplé y de la zarzuela, pero participando de todos ellos. 

En 1934 empezó a dedicarse por completo a las canciones, dando clases a otros artistas noveles y componiendo. Como él no escribía letras, se rodeó de letristas como Salvador Valverde, Antonio Quintero o Rafael de León. Por citar algunas de sus canciones, son de su autoría en cuanto a la música: "María de la O", "Ojos Verdes", "Con las Bombas que tiran", "Francisco Alegre", "La Parrala", "Tatuaje", "La Zarzamora", "Y sin embargo te quiero" o "Badajoz la tierra mía". Fue el autor de más de cinco mil composiciones musicales, muchas de las cuales llegaron a ser muy populares en la España de los años 40 y 50. 

Como personaje de la música nunca se olvidó de sus comienzos teatrales y realizó campañas de zarzuela, en teatros como el Teatro Alcalá de Madrid en que estrenó "La Reina Fea" en 1941, e innumerables giras con figuras folclóricas como Juanita Reina, Rosa Morena, Concha Piquer, Imperio Argentina, Estrellita Castro, y en sus últimos años espectáculos cómicos con Tony Leblanc. 

El 6 de julio de 1972 fue nombrado Consejero de Honor de la Sociedad General de Autores de España. En 1986 le nombraron Hijo Adoptivo de Madrid y la Sociedad General de Autores de España y el Ministerio de Cultura organizaron un gran homenaje en su honor. 

Manuel López-Quiroga falleció a consecuencia de un edema pulmonar en la clínica Virgen del Mar de Madrid, el 13 de diciembre de 1988, con 89 años, y fue enterrado en el Cementerio de la Almudena. 

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MANOLO CARACOL, Todo sobre él

 

Manuel Ortega Suárez nació en la calle Lumbreras, número 10, de la barriada de la Alameda de Hércules en Sevilla el 7 de julio de 1909 y falleció en Madrid el 24 de febrero de 1973, era conocido por su nombre artístico de Manolo Caracol, este cantaor gitano de flamenco y copla, fue de gran popularidad durante la primera mitad del siglo XX, y está considerado uno de los más importantes exponentes en la historia de este arte. 

Provenía de una larga estirpe gitana dedicada al mundo del flamenco y del toreo, su padre fue Manuel Ortega Fernández, conocido por "Caracol el del Bulto", que trabajó algún tiempo como mozo de espadas de su primo Joselito el Gallo y que también cantaba contratado en fiestas privadas. 

Manolo Caracol, empezó a cantar muy joven por las tabernas de la Alameda y con 12 años, obtuvo en 1922 el primer premio del Concurso de Cante Jondo de Granada, organizado entre otros por Manuel de Falla y Federico García Lorca y de cuyo jurado formó parte la genial cantaora Pastora Pavón "Niña de los Peines". 

Tras su éxito en el Concurso, inició su participación en espectáculos, y lo hizo por primera vez en el teatro Reina Victoria de Sevilla y en Madrid debutó el 3 de agosto de 1922 en el transcurso de un festival flamenco desarrollado en la terraza de verano del teatro del Centro, hoy llamado Calderón. Se anunciaba como "El Niño Caracol", ese apodo de "Caracol", fue su su tía Gabriela Ortega, madre del diestro Joselito el Gallo, quien le puso su nombre artístico un día que tiró al suelo una olla con un guiso de caracoles que acababa de preparar. "¡Anda caracol!", le gritó y con ese apodo se quedó.

En 1930 contrajo matrimonio con la jerezana Luisa Gómez Junquera, madre de sus hijos a la que nunca abandonó (a pesar de mantener una relación con Lola Flores). En este mismo año grabó su primer disco y en 1935 se estableció en Madrid. 

En 1943, inició su colaboración artística con Lola Flores, debutando ambos con el espectáculo "Zambra" que se mantendría varios años y que les dio gran fama a ambos. El éxito obtenido por estos espectáculos, les llevó a rodar dos películas en las que ambos compartían cartel, en 1947 "Embrujo" y en 1951 "La niña de la venta". 

Pero el suyo fue un amor prohibido y turbulento que les llevó a una existencia al límite marcada por juergas, violentas peleas por celos y apasionadas reconciliaciones, hasta que en 1951 se separaron y comenzarían a trabajar por separado. ​

En 1958, publicó su antología "Una Historia del Cante Flamenco" y marchó a América donde permaneció tres años trabajando. A su vuelta, en 1963 inauguró el tablao Los Canasteros, conocido como el "Teatro Real de los Gitanos", al que dedicaría el resto de su vida y por el que pasaron los artistas más destacados de la época, como Pastora Imperio, Juanito Valderrama, La Niña de los Peines, Rocío Jurado o El Güito, entre otros muchos. 

Caracol era muy asiduo a La Venta de Vargas, ubicada en la localidad de San Fernando e íntimo amigo de su propietario Juan Vargas. En 1972, con motivo del fallecimiento de Catalina, la madre de Vargas, Manolo Caracol acudió desde Madrid al entierro, y durante la noche del velatorio, se arrancó por seguiriyas desde el balcón, en un cante que ha quedado en el recuerdo, en consuelo a su amigo. 

En 1972, publicaría su último disco, y tras una vida dedicada al cante flamenco y la copla, que fue prematuramente interrumpida por un accidente de tráfico el 24 de febrero de 1973, con 63 años, Manolo Caracol pasó a ser leyenda como uno de los cantaores más grandes gracias a su voz quebrada y a un espíritu innovador que le llevó a transgredir las estrictas normas del flamenco introduciendo elementos ajenos como la orquesta o el piano, algo verdaderamente novedoso por aquel entonces en el ámbito del flamenco.. 

Cantaor excepcional, aunque por otra parte bastante irregular, supo dotar de un toque personal a todos los géneros que abordó, y despertó en el público odios y amores extremos, pero nunca indiferencia. 

Les dejo a continuación su álbum que contiene una serie de sus canciones, tanto de flamenco, tientos, seguiriyas, saetas, martinetes, soleares, malagueñas, fandangos, bulerías, y demás. ¡Que disfruten con su cante!. 

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Una Historia del Cante Flamenco

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EL MAESTRO QUINTERO, Compositor y Letrista

 

Antonio Quintero y Ramírez, nació en Jerez de la Frontera (Cádiz) el 4 de enero de 1895 y falleció en  Madrid el 26 de marzo de 1977 fue un compositor de coplas, autor de teatro y comediógrafo, era conocido como el Maestro Quintero, también era letrista y miembro del reconocido trío de autores Quintero, León y Quiroga. 

Como comediógrafo obtuvo su primer gran éxito en 1929 cuando estrenó "La copla andaluza", la cual se trataba de unos sainetes costumbristas de ambiente andaluz, entremezclados con coplas, con las que triunfaron Rafael Farina y Angelillo. Luego escribió "El alma de la copla" una prolongación de la primera, y las piezas teatrales "Gracia y Justicia", "Morena Clara, que más tarde sería llevada al cine por Imperio Argentina en 1936 y posteriormente por Lola Flores en 1954, y "Filigrana", que también sería adaptada al cine por Concha Piquer, en 1949.

Antonio Quintero, aunque escribió la letra de otros espectáculos líricos, como "Azabache" y "Maravilla" con música de Federico Moreno Torroba y "Por Peteneras" en colaboración con Pascual Guillén y música de Rafael Calleja Gómez, fue autor de muchísimas comedias y guiones cinematográficos, se le recuerda como letrista de canciones que fueron muy populares. Antonio Márquez, torero, esposo y representante de Concha Piquer se dirigió a él para que este le escribiera un espectáculo parecido a "La copla andaluza" pero para gran orquesta, de ahí que buscaran para esa preparación musical al maestro Quiroga, y este, a la hora de elaborar los cantables buscó la acertada colaboración del maestro Rafael de León, y así surgió la unión del famoso trío que tanta gloria le daría a la copla. 

Al componer, Quintero escribía los sainetes de los espectáculos que estrenaron y coordinaba la parte teatral con las canciones, en las que también colaboraba con Rafael de León, pero la responsabilidad de las letras recaía generalmente en Rafael de León, y la música era parte exclusiva de Quiroga. 

Antonio Quintero fue autor de sainetes y estampas como "Zambra" de Lola Flores y Manolo Caracol, "Puente de Coplas" y "Tonadilla" de Concha Piquer, "Dolores la Macarena" de Antoñita Moreno, y muchas otras. 

En cuanto a las canciones que firmó junto a Rafael de León, podemos destacar "Francisco Alegre", "Y sin embargo te quiero", "Callejuela sin salida", "Mañana sale", "No me quieras tanto", "Las cosas del querer", "Yo soy esa", "La Rosa de Capuchinos", "Señor Sargento Ramírez" o "Lola la Piconera", entre otras. 

Fue uno de los más prolíficos comediógrafos de su tiempo. Sus guiones cinematográficos, sus sainetes y sus coplas marcaron toda una época en el folclore de la España de la posguerra. 

Fue presidente perpetuo del Montepío de Autores Españoles y consejero delegado de la Sociedad General de Autores. 

Antonio Quintero Ramírez falleció en Madrid el 26 de marzo de 1977 a los 82 años, y recibió sepultura en Sangenjo (Pontevedra). El ayuntamiento de su pueblo natal de Jerez de la Frontera, le honró con una calle con su nombre. 

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ROCK AND ROLL, Su Historia, sus Intérpretes y sus Canciones

 

El Rock and Roll es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense, tales como rhythm and blues, hillbilly, blues, country y wéstern, entre otros, que poco a poco crearon el sustrato que dio cuerpo a este género desde finales de los años cuarenta, pero no fue sin embargo hasta la década de los cincuenta en que alcanzó su pleno desarrollo y popularidad.

Es uno de los géneros que pasarán a la historia de los anales de la música, nació hacia la segunda mitad del siglo XX y después de tan largo recorrido sigue vigente en nuestros días. Sí, es uno de aquellos géneros que, al igual que la música country, acaban por convertirse en intemporales, al margen de algunas variaciones que puede incorporar dependiendo de la época. Ese término "rock" que todos conocemos musicalmente hablando, es una evolución del "rock and roll". 

El esplendor de este género musical "rock and roll", se fue apagando lentamente a partir de los sesenta, dejando paso al concepto de "rock", que a su vez engloba diversos géneros. Los instrumentos musicales más representativos de la música rock son guitarra eléctrica, bajo, batería, en ocasiones teclado, y una voz que forma parte del grupo. Del rock derivaron otros géneros como el hard rock, el punk, el rock progresivo, el glam rock o el rock gótico, entre otros. 

Y hoy en día, la palabra "rock" hace referencia tanto al género musical de los años cincuenta, como a otros géneros que de él derivan. 

Como expresión, "rock and roll" ya se utilizaba antes de ser un género musical para describir el movimiento del barco en el océano, y lo hacían los marineros, pues  "rocking" es el movimiento hacia adelante y hacia atrás, mientras que "rolling" hace referencia al movimiento de lado a lado. Para poner fecha discográficamente hablando a este género, se apunta 1954 y al grupo Bill Haley & His Comets y su gran éxito "Rock around the clock". 

Hay quien considera también a Chuck Berry, Elvis Presley o a Little Richard como los iniciadores del rock and roll. Pero lo que es seguro es que las figuras más destacables responsables de la popularización y consolidación de este género musical, a mi humilde entender, además de ellos, fueron estos que les dejo a continuación, para que puedan conocer su historia, su discografía y escuchar sus temas si lo desean. 

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Big Joe Turner

Bill Haley

Bo Diddley

Buddy Holly

Carl Perkins

Chubby Checker

Chuck Berry

 

Eddie Cochran

Elvis Presley

Fats Domino

Gene Vincent

Jerry Lee Lewis

Larry Willians

Little Richard

Otis Blackwell

Ritchie Valens

Sister Rosetta

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SISTER ROSETTA THARPE, Todo sobre ella

 

Sister Rosetta Tharpe nació en Cotton Plant (Arkansas) el 20 de marzo de 1915 y falleció en Filadelfia (Pensilvania) el 9 de octubre de 1973, fue una destacada cantante de gospel y de rock and roll. Ampliamente considerada como la mejor guitarrista femenina de todos los tiempos, fue sobresaliente y virtuosa con la guitarra y su voz. Adquirió gran popularidad en los Estados Unidos en las décadas de 1930 y 1940 con su mezcla única de letras espirituales. 

Se convirtió en la primera gran estrella de la música gospel en los años 30 y es conocida como "Original soul sister" y "La Madre del Rock and Roll". Influyó de manera muy potente, como una tempranísima música de rock & roll, en Little Richard, Johnny Cash, Chuck Berry, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis. 

Sus padres eran recolectores de algodón y predicadores, comenzó a acompañar a su madre, Katie Bell Nubin, a la iglesia donde maravillaba a los feligreses, que se referían a ella como "el milagro del canto y la guitarra". 

En 1938 se trasladó con su madre a Nueva York. Allí, Rosetta entró primero a cantar al famoso Cotton Club y después se unió a la orquesta de Lucky Millinder, y pese a que su estilo principal era el góspel, sus incursiones en la música secular sentaron mal en su cercano y envolvente ambiente de intolerancia religiosa en el que vivía, y que consideraba cualquier alejamiento de la música religiosa un acto poco menos que diabólico. 

Por ello se vio obligada a tocar muchas veces en privado los temas de jazz, blues y swing en los que ponía tanta determinación como con los de góspel. Ella estaba dispuesta a cruzar líneas prohibidas, a romper barreras, a dejar que su carisma y su determinación pudieran transitar en otros estilos musicales en los que se desenvolvía con brillantez, pero el precio a pagar era muy alto. 

Su primer éxito, "Rock Me", tuvo inevitablemente una raíz gospeliana. Aquel año de 1938 actuaría en el Carnegie Hall en el concierto From Spirituals to Swing, donde algunos críticos y estudiosos ya veían la interpretación de los primeros temas de rock and roll de la historia. A mediados de los 40, Rosetta Tharpe logró un contundente éxito con el tema "Strange Things Happening Everyday", una canción que incluía toda una premonición sobre la posterior opacidad histórica que sufriría como artista, y donde se podía apreciar ya su particular y avanzada forma de rasgar las cuerdas de la guitarra, que iba más allá de los tradicionales acordes, situándose en el umbral del rock and roll. 

Sus grabaciones discográficas y éxitos se iban sucediendo. Sus matrimonios, también. Se casó tres veces. Pero fue su relación con la también cantante Marie Knight la que más dio que hablar. Con ella formó un dúo musical y, aunque ambas siempre lo negaron, era un secreto a voces que mantenían también una relación amorosa. Eran años de intransigencia absoluta y una relación homosexual era repudiada no sólo por la comunidad religiosa. Su relación con Marie Knight terminó cuando esta perdió a su madre y a dos de sus hijos en un incendio. Aquel fue el final de su vinculación, aunque volvieron a reunirse esporádicamente sobre un escenario años más tarde. 

Su popularidad comenzó a decaer en los años 50, pero su carrera aún experimentó un renacimiento en 1964 cuando emprendió una gira europea junto a Muddy Waters y otros artistas de blues. 

Memorable fue su actuación el 7 de mayo de aquel año en una estación de tren de Manchester, ya que la influencia e impacto que causó aquel concierto de góspel y blues en músicos británicos fue reconocida, entre otros, por Mick Jagger, Eric Clapton, Brian Jones y Jimmy Page.

En un intento de cruzar la línea entre la música sagrada y la laica tocando su música espiritual "luminosa" en la "oscuridad" de los clubes nocturnos y salas de conciertos, acompañada de grandes bandas, su idiosincrático estilo dejó una marca en los artistas gospel más convencionales. Aunque ofendió a muchos fieles con sus incursiones en la música rock, nunca dejó la música gospel. 

En 1970 sufrió un derrame cerebral y ese mismo año las complicaciones derivadas de su diabetes obligaron a amputarle una de sus piernas. Aunque llegó a ofrecer alguna otra actuación musical, tres años más tarde, el 9 de octubre de 1973, fallecía en Pensilvania, a la edad de 58 años. Fue enterrada en el cementerio de Northwood bajo una tumba sin lápida.

Cuando el mundo se volvió loco con el rock and roll a finales de los años cincuenta, Sister Rosetta llevaba 20 años tocando una Gibson E150 y haciendo una música que partiendo del góspel, el jazz y el blues había llevado en una dirección que bien se podría identificar como rock and roll. Aquella mujer que sonaba en las radios de las casas de los chicos negros y blancos fue la maestra de la siguiente generación. 

Aquí les dejo la mayoría de sus canciones que nos dejó grabadas, para que las conozcan y las escuchen, si ese es el deseo. ¡Que disfruten con su música!. 

"Up Above My Head I Hear Music In The Air" - "Strange Things Happening Everyday" - "Didn't It Rain" - "That's All" - "Rock Me" - "Down by the Riverside" - "Shout, Sister, Shout!" - "My Journey To The Sky" - "I Want a Tall Skinny Papa" - "Didn't It Rain Children" - "When I Come to the End of My Journey" - "This Train" - "Jericho" - "Can't No Grave Hold My Body Down" - "Two Little Fishes And Five Loaves Of Bread" - "Up Above My Head There's Music in the Air" - "This Little Light Of Mine" - "Nobody's Fault But Mine" - "Nobody Knows, Nobody Cares" - "Don't Take Everybody To Be Your Friend" - "Sit Down" - "Up Above My Head" - "When The Saints Go Marching In" - "Precious Lord, Hold My Hand" - "Let That Liar Alone" - "My Man And I" - "God Don't Like It" - "How Far From God" - "God Lead Us Along" - "Old Time Religion" - "Four or Five Times" - "Singing in My Soul". 

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RITCHIE VALENS Todo sobre él

 

Richard Steven Valenzuela nació en Pacoima un barrio de la ciudad Los Ángeles (California) el 13 de mayo de 1941 y falleció en Clear Lake (Iowa) el 3 de febrero de 1959, conocido artísticamente como Ritchie Valens, era hijo de Joseph Steven Valenzuela y Concepción Reyes, los cuales eran originarios de México. Fue un músico, compositor, cantante y guitarrista de origen mexicano. Es considerado como uno de los pioneros del rock and roll, y el primero que cantó ese género en español. 

Creció escuchando música tradicional mexicana, así como la guitarra flamenca, R & B y blues. Él siempre  expresó interés en hacer su propia música a la edad de 5 años. Su padre Joseph, fue quien lo alentó a aprender a tocar la guitarra y la trompeta, y posteriormente, se hizo autodidacta de la batería. Aunque Ritchie era zurdo, estaba tan ansioso por aprender a tocar la guitarra que dominó la versión diestra del instrumento. 

Asistió a la escuela secundaria Pacoima Junior High School, su dominio de la guitarra era tal que llevaba el instrumento musical a la escuela y le cantaba a sus amigos y compañeros de clase en las gradas. Cuando tenía 16 años, fue invitado a unirse como guitarrista a una banda local llamada "The Silhouettes", y cuando el vocalista principal dejó el grupo, Ritchie asumió esa posición, el 19 de octubre de 1957 hizo su debut con ellos. Además de las presentaciones con The Silhouettes, tocaba como solista en fiestas y otras reuniones. 

En mayo de 1958, fue descubierto por Bob Keane, propietario y presidente de la compañía Del-Fi Records, un pequeño sello discográfico de Hollywood. A ellos llegó el comentario de un nuevo talento proveniente del Valle de San Fernando, un joven de solo 16 años, que tocaba en un grupo, llamado The Silhouettes, y era llamado el "Little Richard regional", en alusión al famoso músico de rock de aquel nombre.

En 1958, grabó sus dos primeras canciónes, "Come On, Let's Go" y "Framed". El siguiente disco, el último de su vida, el sencillo "Donna" y "La Bamba". 

Aquel 3 de febrero de 1959 en la madrugada, en medio de una gran tormenta de nieve, con visibilidad nula, entre nubes y campos absolutamente blancos, la avioneta en que viajaba, en lugar de subir, bajó, y se estrelló a 8 km de despegar en un campo cercano al aeropuerto. No hubo sobrevivientes.​

Además de Ritchie con 17 años, murieron aquel día Buddy Holly con 22, The Big Bopper con 28, y el piloto Roger Peterson con 21 años. Años después sería llamado aquel accidente: "El día que murió la música", recordado en la balada de Don McLean, "American Pie". 

​En 1988, Ken Paquette el artista y admirador de la música de los años 50, erigió un monumento en el campo donde se estrelló el avión. El monumento en acero, representa una guitarra de metal y tres discos con los nombres de cada uno de los artistas que murieron en el accidente. 

Ritchie Valens fue un pionero del rock chicano y del rock latino, inspirando a muchos músicos de ascendencia mexicana. Influyó en artistas como Los Lobos, Los Lonely Boys y Carlos Santana, ya que Ritchie Valens había alcanzado el éxito a nivel nacional en una época en la que muy pocos latinos estaban en el rock and roll y la música pop estadounidenses. Se le considera el primer latino en cruzar con éxito al rock convencional. 

Su tema, "La Bamba", resultó ser su grabación más influyente, no sólo por convertirse en un éxito en las listas de éxitos cantado íntegramente en español, sino también por su exitosa combinación de música tradicional latinoamericana con rock. Su familia tan sólo hablaba inglés en casa y él sabía muy poco español, y tuvo que aprender fonéticamente la letra para grabarla en el idioma español. 

Su forma de tocar la guitarra es una de sus primeras influencias en su estilo, también inspiró a Jimi Hendrix, Carlos Santana, The Beatles, The Beach Boys y Led Zeppelin, entre otros. 

Ritchie Valens obtuvo de forma póstuma una estrella en el Hollywood Walk of Fame en 1990 y en 2001 fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame. Su labor pionera en la historia del Rock and Roll es recordada por el Rockabilly Hall of Fame. 

Para muchos, Valens tenía potencial de estrella, pero solo alcanzó a grabar una seria corta de canciones durante su corta edad musical. Ellas fueron: "Come On, Let's Go! - "Framed" - "Donna" - "Fast Freight" - "That's My Little Suzie" - Little Girl" - "Stay Beside Me" - "The Paddiwack Song" y "La Bamba". ¡Que disfruten con su música!. 

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OTIS BLACKWELL, Todo sobre él

 

Otis Blackwell nació en Brooklyn (Nueva York) el 16 de febrero de 1931 y falleció en Nashville (Tennessee) el 6 de mayo de 2002, fue un cantante, compositor y pianista pionero del rock and roll. Siendo un niño estudió piano y creció escuchando R&B y música country. 

En 1952 ganó un concurso de talentos locales en el Teatro Apollo de Harlem que le valió un contrato discográfico con RCA y después con Jay-Dee donde grabó su primera composición "Daddy Rolling Stone", la cual en 1953 sería versionada por el grupo The Who. 

Tuvo su primer gran éxito en 1956 cuando Little Willie John grabó "Fever". En 1958, la versión de Peggy Lee se convierte en un éxito aun mayor y la canción es nominada a tres Premios Grammy en las categorías de mejor interpretación vocal femenina, mejor canción del año y mejor disco del año. 

También en 1956 compuso, "Don't Be Cruel", inicialmente ofrecida a The Four Lovers, el grupo de Frankie Valli, aunque finalmente fue un emergente Elvis Presley el que se hizo con la canción, que fue incluida como cara B del sencillo "Hound Dog". La asociación con Elvis Presley continuó con temas como "Paralyzed" y "All Shook Up" en 1957, o "Return to Sender" de 1962 entre otras. 

En 1957 escribe para Jerry Lee Lewis el tema "Great Ball of Fire" uno de los sencillos más exitosos de la historia con más de un millón de copias vendidas solo en los primeros diez días de su lanzamiento. En 1958 Jerry Lee repetiría éxito con "Breathless".

En 1959 cosecha dos nuevos éxitos "Hey Little Girl" interpretada por Dee Clark, así como "Handy Man" inicialmente grabado por Jimmy Jones, pero que llevaría a la fama la versión de James Taylor en 1977. 

Blackwell fue un gran desconocido en su época, la mayoría de sus composiciones las firmó bajo el seudónimo de "John Davenport" porque "sonaba más blanco". A lo largo de su vida, compuso más de mil canciones, obteniendo unas ventas mundiales de cerca de 200 millones de discos, sin embargo llevó una vida modesta ya que siempre vendió los derechos originales de sus canciones a las grandes compañías por apenas una miseria. 

Otis Blackwell fue incluido en el Salón de la Fama de Compositores de Nashville en 1986 y en 1991 en el Salón de la Fama de los Compositores de la Academia Nacional de la Música Popular norteamericana. El momento culminante en su vida llegó a finales de los 80 cuando la "Coalición Black Rock", una prominente organización de músicos negros de rock, encabezados por Vernon Reid, el guitarrista principal de la banda Living Colour, celebraron un homenaje para él en el Prospect Park Bandshell en su Brooklyn natal. 

Blackwell fue galardonado con el Premio Ahmet Estegun en el Salón de la Fama del Rock. Este galardón premia a los profesionales que trabajan detrás de la escena en la industria musical. 

Entre sus canciones más relevantes se encuentran: "Fever", "Great Balls of Fire" y "Breathless", "Don't Be Cruel", "All Shook Up", "Return to Sender" o "Handy Man". Sus obras han sido inmortalizadas por multitud de artistas, incluyendo a Jerry Lee Lewis, Ray Charles, Otis Redding, James Brown, The Who, Johnny Thunders, Billy Joel, James Taylor, Dolly Parton, Elvis Presley, Conway Twitty, The Judds, Carl Perkins y Peggy Lee, entre muchos otros. 

Otis Blackwell es considerado como uno de los más grandes compositores de R&B de todos los tiempos, ayudó a redefinir la música popular en América en la década de 1950 y contribuyó a inventar el lenguaje musical del rock and roll en sus inicios. 

Falleció el 6 de mayo de 2002 en Nashville a los 72 años, víctima de un fallo cardíaco, tras más de una década sufriendo una parálisis cerebral. Está enterrado en el Woodlawn Memorial Park Cemetery de la capital del Country. 

Les dejo a continuación estos dos álbumes de los nos dejó grabados, para que escuchen sus temas, si así lo desean. ¡Que disfruten con su música!. 

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"Singin' The Blues"
Grabado en 1957

Está compuesto por estas catorce canciones:

"Daddy Rollin' Stone" - "Tears, Tears, Tears" - "On That Power Line" - "Don't Know How I Loved You" - "Go Away Mr. Blues" - "Ain't Got No Time" - "You Move Me, Baby" - "My Poor Broken Heart" - "Let The Daddy Hold You" - "You're My Love" - "I'm Standing At The Doorway To Your Heart" - "I'm Coming Back Baby" - "My Josephine" y "I'm Travellin' On". 

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"These Are My Songs!"
Grabado en 1977

Está compuesto por estas doce canciones:

"All Shook Up" - "Fever" - "Back Trail" - "Daddy Rollin' Stone" - "Great Balls Of Fire" - "Don't Be Cruel" - "Searchin'" - "Let's Talk About Us" - "Hey Little Girl" - "Breathless" - "Handy Man" y "Return To Sender". 

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LITTLE RICHARD, Todo sobre él

 

Richard Wayne Pennyman conocido artísticamente como Little Richard, nació en Macon (Georgia) el 5 de diciembre de 1932 y falleció en Tullaoma (Tennessee) el 9 de mayo de 2020. Este cantante, compositor, pianista y humorista, fue el cuarto de 12 hermanos (siete varones y cinco mujeres) y tuvo una dura relación con su padre, debido a su homosexualidad y a su gusto por el maquillaje y las prendas femeninas. 

A los 15 años, su padre lo expulsó de casa escandalizado por sus escarceos homosexuales. Libre de la opresión familiar, libera sus pasiones reprimidas y se dedica a cantar en bares, tugurios o simples esquinas de la calle, para ganarse la vida. Por suerte, un matrimonio blanco, Ann y Johnny Johnson, lo sacaron de ese mundo y le permitieron seguir desarrollando sus aptitudes musicales en el escenario del Ann's Tic Toc, el club que regentaban. 

Subió por primera vez a un escenario invitado por la cantante y guitarrista evangélica Sister Rosetta Tharpe, dio algunas de sus primeras actuaciones vestido de mujer, con el apodo de Princess LaVonne. 

El año 1952, empezó a actuar con los Tidy Jolly Steppers en el estado de Alabama, pero poco después los abandonó para ser solista de la banda de J. L. Heath, con los que actuó por Georgia. Conoció a Billy Wright, que le propuso grabar un disco, ya bajo el nombre de Little Richard. Unos meses después, su padre moría asesinado. 

En los años siguientes, Richard tuvo varios éxitos más con: "Long Tall Sally", "Slippin' and Slidin'", "Jenny, Jenny" y "Good Golly, Miss Molly". Su estilo frenético se puede ver en películas de 1956, como "Don't Knock the Rock" y "The Girl Can't Help It", en las cuales cantó las canciones que daban el título a los films. 

En 1957, detuvo su carrera musical de forma repentina en 1957, durante una gira por el centro de Australia, y renunció a su forma de vida en el rock and roll. Ingresó en una universidad cristiana en Alabama para estudiar teología y se hizo ministro pentecostal. 

En 1962, regresó con un entusiástico recibimiento en su gira por el Reino Unido. Tanto los Rolling Stones, quienes admiraban a Richard incluso antes de que tuvieran un contrato de grabación, y los Beatles, también admiradores suyos, le apoyaron. 

En 1964 volvió a los escenarios grabando nuevas versiones de sus éxitos, y en los años 70 sus excesos sexuales y con las drogas hicieron que su iglesia lo rechazara. Finalmente, tras la muerte de uno de sus hermanos, Little Richard reorganizó su vida: limpió su organismo de drogas, se hizo vendedor de biblias a domicilio y volvió a su iglesia. 

Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como parte de su primer grupo de miembros en 1986. También fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores. Recibió un Lifetime Achievement Award de la Recording Academy y un Lifetime Achievement Award de la Rhythm and Blues Foundation. En 2015, recibió un Premio Rhapsody & Rhythm del Museo Nacional de Música Afroamericana por su papel clave en la formación de géneros musicales populares y ayudar a poner fin a la división racial en las listas de música y en los conciertos a mediados de 1950 cambiando significativamente la cultura estadounidense.

La canción con la que alcanzó la fama, "Tutti Frutti", tenía una letra sobre sexo anal. El grito de guerra con el que se inicia, "¡Aumbabuluba balambambú!", que imita fonéticamente el sonido de una batería, y el aporreo salvaje de su piano se convirtieron en historia de la música. 

Su música también jugó un papel clave en la formación de otros géneros musicales populares, como el soul y el funk. Influyó en numerosos cantantes y músicos de todos los géneros musicales, desde el rock hasta el hip hop, su música ayudó a dar forma al ritmo y al blues para las generaciones venideras, y sus actuaciones y titulares impulsaron su carrera directamente en la mezcla de la música popular estadounidense. Está considerado como uno de los pioneros más importantes de la historia del rock and roll, y una figura influyente en la música y la cultura popular durante siete décadas. 

Nos dejó grabados estos veinte álbumes de estudio entre  1956 y 1992. ¡ Que disfruten con su música!. 

"Cast a Long Shadow" - "Little Richard, Vol. 1" - "Little Richard, Vol. 2" - "Little Richard, Vol. 3" - "Here's Little Richard" - "The Fabulous Little Richard" - "Lifetime Friend" - "Pray Along with Little Richard, Vol. 1" - "Pray Along with Little Richard, Vol. 2" - "The King of the Gospel Singers" - "Sings Spirituals" - "Sings the Gospel" - "Little Richard Is Back (And There's A Whole Lotta Shakin' Going' On!)" - "The Very Best Of... "Little Richard"" - "The Explosive Little Richard" - "The Rill Thing" - "Mr. Big" - "The Second Coming" - "Right Now" - "Talkin' 'Bout Soul" y "Best Of". 

Sus 274 canciones grabadas

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LARRY WILLIAMS, Todo sobre él

 

Lawrence Eugene Williams, este cantante, compositor y pianista era conocido artísticamente como Larry Williams, nació el en Nueva Orleans (Luisiana) el 10 de mayo de 1935 y falleció a los 40 años en Los Ángeles (California) el 7 de enero de 1980. Comenzó en el mundo de la música a temprana edad de doce años, tocando el piano y cantando en el coro de su iglesia, y poco a poco, comenzó a experimentar con varios géneros, desde el jazz hasta el blues. 

Su gran oportunidad llegó en 1957 cuando firmó un contrato con la discográfica Specialty Records, lanzando varios éxitos que se convertirían en clásicos del Rock 'n' Roll, entre ellas: "Bony Moronie", "Short Fat Fannie" y "High School Dance". 

Muchas de sus canciones fueron versionadas por esos cuatro genios de Liverpool, que fueron The Beatles, tales como: "Bad Boy", "Slow Down" o "Dizzy Miss Lizzy". The Rolling Stones también grabaron su canción, "She Said Yeah". 

Y su tema "Bony Moronie", una de las canciones más influyentes en la historia del rock, fue versionada por John Lennon y muchísimos otros. Su primera versión en español con el título de "Popotitos", la hicieron el grupo mexicano Los Teen Tops con Enrique Guzmán de cantante. También fue versionada por: Mike Ríos con Los Relámpagos, Luis Miguel, Dúo Dinámico, Ricky Martin, entre otros.

Los primeros discos de Williams fueron lanzados por la discográfica Specialty Records cuando su estrella principal, Little Richard, la abandonó para dedicarse a predicar. Señalado como su sucesor los discos de Williams tienen la misma intensidad gracias a su piano crudo, pero sus letras extrañas, su voz y sus silbidos hacen que su trabajo sea original. 

Williams había estado involucrado con actividades turbias desde su adolescencia y había sido un chulo o proxeneta antes de empezar a grabar su música. A finales de los 50, su carrera musical sufrió un parón al ser arrestado por tráfico de estupefacientes. De todos modos, Williams regresó a mitad de los 60 con una banda que incluía a Johnny "Guitar" Watson. Este período deparó pocos éxitos, pero, imitando menos el sonido de Little Richard, produjo algunos de sus mejores y más originales trabajos. En los 70 intentó lanzarse como cantante de música disco pero tuvo poco éxito. 

El 7 de enero 1980 Williams murió por herida de bala en su casa de Los Ángeles. El día de su extraña muerte, los forenses que se presentaron en el lugar declararon su fallecimiento como suicidio, pero persistieron rumores durante años de que fue asesinado como consecuencia de su vida llena de drogas, delitos y proxenetismo. 

Larry Williams fue un prolífico cantante, compositor y productor estadounidense, recordado por su contribución única al mundo de la música Rock 'n' Roll. En su corta, pero impactante carrera, recibió varios reconocimientos por su talento y su contribución al mundo de la música. Su influencia se refleja en la música de muchos grupos de rock y artistas solistas que reconocen su trabajo como inspiración. Señalado como el sucesor de Little Richard, sus discos tienen la misma intensidad gracias a su piano crudo, pero sus letras extrañas, su voz y sus silbidos hacen que su trabajo sea original. 

Les dejo a continuación varios de sus álbumes, para que escuchen sus canciones, si así lo desean. ¡Que disfruten con su música!. 

"Here's Larry Williams" - "Dizzy, Miss Lizzy" - "Let Me Tell You, Baby" - "Short Fat Fannie" - "Best of the Best" - "She Said Yeah". 

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