RAFAEL DE LEON, Todo sobre él

 

Rafael de León y Arias de Saavedra, nació en Sevilla el 6 de febrero de 1908 y falleció en Madrid el 9 de diciembre de 1982, fue un poeta y autor de letras para copla, faceta esta última en la que se hizo famoso por formar parte del trío Quintero, León y Quiroga. 

Fue el primogénito de José de León y Manjón, VII marqués del Valle de la Reina, y de María Justa Arias de Saavedra y Pérez de Vargas, VI marquesa del Moscoso y VII condesa de Gómara.​  Cuando tenía ocho años, ingresa como alumno interno en el Colegio de San Luis Gonzaga en El Puerto de Santa María, en donde habían sido también alumnos Juan Ramón Jiménez, Fernando Villalón, Pedro Muñoz Seca y Rafael Alberti. 

En este colegio demuestra ya Rafael sus dotes para la Poesía y el Teatro, pues siempre se le encargaba el papel del actor principal. Después pasará por el también jesuita colegio de El Palo, en Málaga, y por los Salesianos de Utrera. 

​Con 18 años se marcha a Granada para estudiar el Preparatorio de Derecho, instalándose en el famoso Colegio del Sacromonte. Allí conoce a Federico García Lorca y los cuales hicieron una gran amistad. Rafael de León, que ya había compuesto, en silencio, sus primeras canciones y escrito poemas que jamás había publicado, se embriaga del neopopularismo y de la magia de la poesía lorquiana y sobre todo, de la copla popular. 

Es entonces cuando comienza a enseñar varios de sus escritos, entre otros, a Federico y a dedicarse de lleno a la escritura, dejando los libros de Derecho por la Poesía. 

Durante su servicio militar en Sevilla conoció a Concha Piquer cuando actuaba en el Teatro Lope de Vega. Esta conocida intérprete de la canción española puso voz a muchas de sus mejores creaciones.​ 

En 1932, Rafael de León se traslada a Madrid bajo la influencia del gran músico sevillano Manuel Quiroga, que junto con el autor teatral Antonio Quintero, llegaría a formar el prolífico trío Quintero, León y Quiroga con el que tienen registradas más de cinco mil canciones. ​

Es en dicho periodo cuando este poeta-letrista empieza a colaborar en guiones de cinematografía. En aquella época también, bajo la influencia del concepto "Hispanidad", se abrieron las fronteras españolas a las músicas que venían de los países hermanos de América. Y así llegaron los boleros y los tangos, muy bien acompañados de los valses peruanos, los sones cubanos y las rancheras y corridos mexicanos, que engancharon con facilidad en los gustos musicales españoles de entonces, por tratarse de una cultura común. 

Así se vivió durante dos décadas, pero, partir de los años sesenta, comienza en España cierto aperturismo cultural y muchos jóvenes empiezan a despreciar, con alguna injusticia, casi toda la música española e hispanoamericana y con ella el conocido estilo de la copla y de la canción andaluza que tan bien había representado el sello "Quintero, León y Quiroga". Rafael de León pertenece por derecho propio a la denominada Generación del 27 de los poetas españoles, aunque un incomprensible olvido ha hecho que nunca figure en esa nómina.​

Hacia el final de su dilatada carrera de letrista, escribió para los cantantes Nino Bravo, Raphael, Rocío Dúrcal, Rocío Jurado, Isabel Pantoja y especialmente a Carmen Sevilla. Canciones escritas por él fueron presentadas en el Festival de la Canción de Benidorm, obteniendo el primer premio en la 3.ª edición (año 1961) la canción titulada "Enamorada", escrita por él y música de Augusto Algueró, popularizada posteriormente por Carmen Sevilla.  Además, el premio a la mejor letra se lo llevó la canción "Quisiera ser" escrita también por él. 

En el año anterior, en el II Festival de la Canción de Benidorm, ya obtuvo el 4.º premio la canción "Luna de Benidorm" con letra de su autoría y música de García Gasca. 

Y posteriormente, en el año 1971 (XIII edición del famoso festival), la cantante Gloria interpretó la canción "Yo no sé por qué" con letra de Rafael de León y música de Jesús Gluck, aunque esta vez no obtuvo ningún premio. 

Fue el autor de la letra de algunas de las más célebres canciones populares españolas del siglo XX, como "Tatuaje", "Ojos verdes", "Francisco Alegre", "La Zarzamora", "A ciegas", "A tu vera", "A la lima y al limón", "Pena, penita, pena", "María de la O", o "Con divisa verde y oro".

Falleció en Madrid el 9 de Diciembre de 1982, de un infarto de miocardio a los 74 años de edad. A su muerte, su repertorio contaba con más de ocho mil canciones, muchas ya eternas, en las voces maravillosas de nuestros cantantes, tales como: Concha Piquer, Estrellita Castro, Imperio Argentina, Lola Flores, Juanita Reina, Marifé de Triana, Gracia Montes, Paquita Rico, Carmen Sevilla, Mikaela, Lolita Sevilla, Imperio de Triana, Dolores Abril, Concha Márquez Piquer, Rocío Dúrcal, Carmen Flores, Macarena del Río, Rosita Ferrer, Marujita Díaz, Rocío Jurado, Isabel Pantoja, Juanito Valderrama, Manolo Caracol, El Príncipe Gitano, Rafael Farina, Antonio Molina, Raphael, Nino Bravo, Manolo Escobar, y tantos otros. 

Rafael de León falleció en Madrid el 9 de diciembre de 1982 y fue enterrado en el Cementerio de la Almudena. ​

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MARÍA JIMÉNEZ, Todo sobre ella

 

María Jiménez Gallego nació en Sevilla el 3 de febrero de 1950 y falleció en Sevilla el 7 de septiembre de 2023,​ ella fue una cantante, bailaora y actriz. Su padre, Gabriel Jiménez, de ascendencia calé, era oriundo de Nerva (Huelva), y su madre, María Gallego, de El Pedroso (Sevilla). De familia humilde, a los quince años María empezó a trabajar como empleada doméstica. Dejó su trabajo para comenzar a bailar en los tablaos de Sevilla en los que coincidió con Raimundo Amador. 

María Jiménez fue transgresora, una gran defensora de la nueva copla y atemporal. Era una artista hecha a sí misma, nunca recibió clases de baile ni de canto y, por eso, ella siempre consideró su trabajo en los tablaos flamencos como su verdadera escuela. Un lugar en el que pudo aprender la mejor forma posible, repitiendo, a base de ensayos y esfuerzo. 

En los años 70, la rumba ya era un gran fenómeno comercial con varias estrellas femeninas. En aquel momento bisagra para el país apareció María Jiménez con un primer disco entre el flamenco ligero, la copla y la música latina. Se introdujo también como actriz en el cine, con el que tendría una relación intermitente. 

En 1976 publicaría su álbum, "María Jiménez", confeccionado con rumbas, tangos, bulerías, boleros, rancheras y baladas. Y en 1978 lanzó el álbum, "Se acabó", cuyo primer single se convirtió en un éxito en España y México gracias a la letra desenfadada sobre una mujer harta de una situación de maltrato.  A partir de ahí, María siguió grabando y lanzando álbumes a un ritmo frenético (casi un álbum cada año). 

En 1979, graba su álbum, "Resurrección de la alegría", en 1980, lanzaría  "Sensación", en 1981, "De distinto modo", en 1982 sería, "Frente al amor", en 1983, "Por primera vez", en 1984, "Voy a darte una canción", en 1986, "Seguir viviendo", en 1987, "Alma salvaje", en 1988, "Rocíos", en 1993, "Átame a tu cuerpo", en 1995, "Eres como eres", en 2002, "Donde más duele", en 2003, "De María... a María con sus dolores", en 2005, "Canta José Alfredo Jiménez", en 2006, "Bienaventurados", y 2020, el último de estudio "La vida a mi manera". 

Fue con su álbum, "Se acabó", cuando alcanzó el éxito comercial y una canción que atrapó el espíritu de su tiempo, "Se acabó". Era un nuevo tipo de folclórica para una nueva España que cantaba con alegría y sensualidad e independencia orgullosa sobre superar el maltrato. 

Mantuvo un idilio con un importante ganadero de una familia muy conocida andaluza, y fruto de esta relación nació el 9 de septiembre de 1968 una hija, María del Rocío Asunción Jiménez. El 1 de junio de 1980 contrajo matrimonio en la iglesia sevillana de Santa Ana con el actor valenciano Pepe Sancho, quien adoptó a María del Rocío, hija de María, y le dio sus apellidos. El 16 de febrero de 1983 nació su hijo Alejandro. 

En 1984 María y Pepe se separaron. En la madrugada del 8 de enero de 1985 se produce el fallecimiento de María del Rocío en accidente de tráfico, en Madridejos (Toledo). Al año siguiente María y Pepe se volvieron a casar en Costa Rica, y años después se volvieron a separar, para casarse un par de veces más hasta su definitiva separación. 

En sus casi cincuenta años de carrera publicó diecinueve álbumes y actuó en más de diez películas y series de televisión. Por su labor artística, recibió numerosos premios y reconocimientos, entre ellos la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes que otorga el Ministerio de Cultura de España y el premio Andalucía Excelente a la trayectoria. 

La cantante fundó en 2022 la "Fundación María Jiménez" para luchar contra la violencia machista a raíz de su propia experiencia personal y con el objetivo de ser un espacio de refugio para las mujeres víctimas de malos tratos. 

Durante los últimos años de su vida residió en la ciudad gaditana de Chiclana de la Frontera. 

Falleció en el hospital de Triana de Sevilla, victima de un cáncer rodeada de su familia, en la madrugada del 7 de septiembre de 2023, a los 73 años. ​

Tal y como era su deseo, su féretro fue portado en un coche fúnebre de caballos por el barrio de Triana, donde se ofició la misa funeral en la Real Parroquia de Santa Ana, donde fue bautizada y donde contrajera matrimonio religioso con Pepe Sancho.

Su féretro fue cubierto con el manto de cultos de Santa Ana, siendo finalmente conducido al cementerio de San Fernando, donde descansa junto a sus padres y su hija. 

Nos dejó grabados y publicados los diecinueve álbumes de estudio, mencionados anteriormente. ¡Que disfruten con su música!. 

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EL MAESTRO QUIROGA, Todo sobre él

 

Manuel López-Quiroga Miquel nació en Sevilla el 30 de enero de 1899 y falleció en Madrid el 13 de diciembre de 1988, era conocido como el Maestro Quiroga, pianista, compositor y autor de cuplé y copla, además de uno de los componentes del trío de autores Quintero, León y Quiroga. Su padre tenía un taller de grabador, y ese fue el oficio que enseñó a su hijo, al mismo tiempo que ejercía como organista en la iglesia de los jesuitas de la calle de Jesús del Gran Poder, de Sevilla, gracias a otro organista que se ofreció a enseñarle música. Además, realizó sus estudios en el Conservatorio Municipal de Sevilla, e hizo la carrera de magisterio y realizó estudios de pintura y dibujo en el Museo de Sevilla, pero lo suyo era la música. 

Con tan solo 20 años ya había estrenado tres zarzuelas: "El presagio rojo", "La niña de los perros" y "Sevilla, qué grande eres". Y en 1929 viajará a Madrid, donde sigue componiendo al tiempo que toca en teatros y cabarés. Desafortunadamente, la música no llegaba para pagar las facturas, por lo que tuvo que recurrir al oficio familiar de grabador.

En 1929 se traslada a Madrid. Por aquellos años, el ambiente musical en España estaba copado por el cuplé, la zarzuela y las coplas folclóricas regionales. Tras muchas horas de trabajo en su estudio y en los cafés cantantes y cabarés de Madrid, el maestro fue perfilando un nuevo estilo, la tonadilla, diferenciada de las canciones regionales, del cuplé y de la zarzuela, pero participando de todos ellos. 

En 1934 empezó a dedicarse por completo a las canciones, dando clases a otros artistas noveles y componiendo. Como él no escribía letras, se rodeó de letristas como Antonio Quintero o Rafael de León. Por citar algunas de sus canciones, son de su autoría en cuanto a la música: "María de la O", "Ojos Verdes", "Con las Bombas que tiran", "Francisco Alegre", "La Parrala", "Tatuaje", "La Zarzamora", "Y sin embargo te quiero" o "Badajoz la tierra mía". Fue el autor de más de cinco mil composiciones musicales, muchas de las cuales llegaron a ser muy populares en la España de los años 40 y 50. 

Como personaje de la música nunca se olvidó de sus comienzos teatrales y realizó campañas de zarzuela, en teatros como el Teatro Alcalá de Madrid en que estrenó "La Reina Fea" en 1941, e innumerables giras con figuras folclóricas como Juanita Reina, Rosa Morena, Concha Piquer, Imperio Argentina, Estrellita Castro, y en sus últimos años espectáculos cómicos con Tony Leblanc. 

El 6 de julio de 1972 fue nombrado Consejero de Honor de la Sociedad General de Autores de España. En 1986 le nombraron Hijo Adoptivo de Madrid y la Sociedad General de Autores de España y el Ministerio de Cultura organizaron un gran homenaje en su honor. 

Manuel López-Quiroga falleció a consecuencia de un edema pulmonar en la clínica Virgen del Mar de Madrid, el 13 de diciembre de 1988, con 89 años, y fue enterrado en el Cementerio de la Almudena. 

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MANOLO CARACOL, Todo sobre él

 

Manuel Ortega Suárez nació en la calle Lumbreras, número 10, de la barriada de la Alameda de Hércules en Sevilla el 7 de julio de 1909 y falleció en Madrid el 24 de febrero de 1973, era conocido por su nombre artístico de Manolo Caracol, este cantaor gitano de flamenco y copla, fue de gran popularidad durante la primera mitad del siglo XX, y está considerado uno de los más importantes exponentes en la historia de este arte. 

Provenía de una larga estirpe gitana dedicada al mundo del flamenco y del toreo, su padre fue Manuel Ortega Fernández, conocido por "Caracol el del Bulto", que trabajó algún tiempo como mozo de espadas de su primo Joselito el Gallo y que también cantaba contratado en fiestas privadas. 

Manolo Caracol, empezó a cantar muy joven por las tabernas de la Alameda y con 12 años, obtuvo en 1922 el primer premio del Concurso de Cante Jondo de Granada, organizado entre otros por Manuel de Falla y Federico García Lorca y de cuyo jurado formó parte la genial cantaora Pastora Pavón "Niña de los Peines". 

Tras su éxito en el Concurso, inició su participación en espectáculos, y lo hizo por primera vez en el teatro Reina Victoria de Sevilla y en Madrid debutó el 3 de agosto de 1922 en el transcurso de un festival flamenco desarrollado en la terraza de verano del teatro del Centro, hoy llamado Calderón. Se anunciaba como "El Niño Caracol", ese apodo de "Caracol", fue su su tía Gabriela Ortega, madre del diestro Joselito el Gallo, quien le puso su nombre artístico un día que tiró al suelo una olla con un guiso de caracoles que acababa de preparar. "¡Anda caracol!", le gritó y con ese apodo se quedó.

En 1930 contrajo matrimonio con la jerezana Luisa Gómez Junquera, madre de sus hijos a la que nunca abandonó (a pesar de mantener una relación con Lola Flores). En este mismo año grabó su primer disco y en 1935 se estableció en Madrid. 

En 1943, inició su colaboración artística con Lola Flores, debutando ambos con el espectáculo "Zambra" que se mantendría varios años y que les dio gran fama a ambos. El éxito obtenido por estos espectáculos, les llevó a rodar dos películas en las que ambos compartían cartel, en 1947 "Embrujo" y en 1951 "La niña de la venta". 

Pero el suyo fue un amor prohibido y turbulento que les llevó a una existencia al límite marcada por juergas, violentas peleas por celos y apasionadas reconciliaciones, hasta que en 1951 se separaron y comenzarían a trabajar por separado. ​

En 1958, publicó su antología "Una Historia del Cante Flamenco" y marchó a América donde permaneció tres años trabajando. A su vuelta, en 1963 inauguró el tablao Los Canasteros, conocido como el "Teatro Real de los Gitanos", al que dedicaría el resto de su vida y por el que pasaron los artistas más destacados de la época, como Pastora Imperio, Juanito Valderrama, La Niña de los Peines, Rocío Jurado o El Güito, entre otros muchos. 

Caracol era muy asiduo a La Venta de Vargas, ubicada en la localidad de San Fernando e íntimo amigo de su propietario Juan Vargas. En 1972, con motivo del fallecimiento de Catalina, la madre de Vargas, Manolo Caracol acudió desde Madrid al entierro, y durante la noche del velatorio, se arrancó por seguiriyas desde el balcón, en un cante que ha quedado en el recuerdo, en consuelo a su amigo. 

En 1972, publicaría su último disco, y tras una vida dedicada al cante flamenco y la copla, que fue prematuramente interrumpida por un accidente de tráfico el 24 de febrero de 1973, con 63 años, Manolo Caracol pasó a ser leyenda como uno de los cantaores más grandes gracias a su voz quebrada y a un espíritu innovador que le llevó a transgredir las estrictas normas del flamenco introduciendo elementos ajenos como la orquesta o el piano, algo verdaderamente novedoso por aquel entonces en el ámbito del flamenco.. 

Cantaor excepcional, aunque por otra parte bastante irregular, supo dotar de un toque personal a todos los géneros que abordó, y despertó en el público odios y amores extremos, pero nunca indiferencia. 

Les dejo a continuación su álbum que contiene una serie de sus canciones, tanto de flamenco, tientos, seguiriyas, saetas, martinetes, soleares, malagueñas, fandangos, bulerías, y demás. ¡Que disfruten con su cante!. 

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Una Historia del Cante Flamenco

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EL MAESTRO QUINTERO, Compositor y Letrista

 

Antonio Quintero y Ramírez, nació en Jerez de la Frontera (Cádiz) el 4 de enero de 1895 y falleció en  Madrid el 26 de marzo de 1977 fue un compositor de coplas, autor de teatro y comediógrafo, era conocido como el Maestro Quintero, también era letrista y miembro del reconocido trío de autores Quintero, León y Quiroga. 

Como comediógrafo obtuvo su primer gran éxito en 1929 cuando estrenó "La copla andaluza", la cual se trataba de unos sainetes costumbristas de ambiente andaluz, entremezclados con coplas, con las que triunfaron Rafael Farina y Angelillo. Luego escribió "El alma de la copla" una prolongación de la primera, y las piezas teatrales "Gracia y Justicia", "Morena Clara, que más tarde sería llevada al cine por Imperio Argentina en 1936 y posteriormente por Lola Flores en 1954, y "Filigrana", que también sería adaptada al cine por Concha Piquer, en 1949.

Antonio Quintero, aunque escribió la letra de otros espectáculos líricos, como "Azabache" y "Maravilla" con música de Federico Moreno Torroba y "Por Peteneras" en colaboración con Pascual Guillén y música de Rafael Calleja Gómez, fue autor de muchísimas comedias y guiones cinematográficos, se le recuerda como letrista de canciones que fueron muy populares. Antonio Márquez, torero, esposo y representante de Concha Piquer se dirigió a él para que este le escribiera un espectáculo parecido a "La copla andaluza" pero para gran orquesta, de ahí que buscaran para esa preparación musical al maestro Quiroga, y este, a la hora de elaborar los cantables buscó la acertada colaboración del maestro Rafael de León, y así surgió la unión del famoso trío que tanta gloria le daría a la copla. 

Al componer, Quintero escribía los sainetes de los espectáculos que estrenaron y coordinaba la parte teatral con las canciones, en las que también colaboraba con Rafael de León, pero la responsabilidad de las letras recaía generalmente en Rafael de León, y la música era parte exclusiva de Quiroga. 

Antonio Quintero fue autor de sainetes y estampas como "Zambra" de Lola Flores y Manolo Caracol, "Puente de Coplas" y "Tonadilla" de Concha Piquer, "Dolores la Macarena" de Antoñita Moreno, y muchas otras. 

En cuanto a las canciones que firmó junto a Rafael de León, podemos destacar "Francisco Alegre", "Y sin embargo te quiero", "Callejuela sin salida", "Mañana sale", "No me quieras tanto", "Las cosas del querer", "Yo soy esa", "La Rosa de Capuchinos", "Señor Sargento Ramírez" o "Lola la Piconera", entre otras. 

Fue uno de los más prolíficos comediógrafos de su tiempo. Sus guiones cinematográficos, sus sainetes y sus coplas marcaron toda una época en el folclore de la España de la posguerra. 

Fue presidente perpetuo del Montepío de Autores Españoles y consejero delegado de la Sociedad General de Autores. 

Antonio Quintero Ramírez falleció en Madrid el 26 de marzo de 1977 a los 82 años, y recibió sepultura en Sangenjo (Pontevedra). El ayuntamiento de su pueblo natal de Jerez de la Frontera, le honró con una calle con su nombre. 

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ROCK AND ROLL, Su Historia, sus Intérpretes y sus Canciones

 

El Rock and Roll es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense, tales como rhythm and blues, hillbilly, blues, country y wéstern, entre otros, que poco a poco crearon el sustrato que dio cuerpo a este género desde finales de los años cuarenta, pero no fue sin embargo hasta la década de los cincuenta en que alcanzó su pleno desarrollo y popularidad.

Es uno de los géneros que pasarán a la historia de los anales de la música, nació hacia la segunda mitad del siglo XX y después de tan largo recorrido sigue vigente en nuestros días. Sí, es uno de aquellos géneros que, al igual que la música country, acaban por convertirse en intemporales, al margen de algunas variaciones que puede incorporar dependiendo de la época. Ese término "rock" que todos conocemos musicalmente hablando, es una evolución del "rock and roll". 

El esplendor de este género musical "rock and roll", se fue apagando lentamente a partir de los sesenta, dejando paso al concepto de "rock", que a su vez engloba diversos géneros. Los instrumentos musicales más representativos de la música rock son guitarra eléctrica, bajo, batería, en ocasiones teclado, y una voz que forma parte del grupo. Del rock derivaron otros géneros como el hard rock, el punk, el rock progresivo, el glam rock o el rock gótico, entre otros. 

Y hoy en día, la palabra "rock" hace referencia tanto al género musical de los años cincuenta, como a otros géneros que de él derivan. 

Como expresión, "rock and roll" ya se utilizaba antes de ser un género musical para describir el movimiento del barco en el océano, y lo hacían los marineros, pues  "rocking" es el movimiento hacia adelante y hacia atrás, mientras que "rolling" hace referencia al movimiento de lado a lado. Para poner fecha discográficamente hablando a este género, se apunta 1954 y al grupo Bill Haley & His Comets y su gran éxito "Rock around the clock". 

Hay quien considera también a Chuck Berry, Elvis Presley o a Little Richard como los iniciadores del rock and roll. Pero lo que es seguro es que las figuras más destacables responsables de la popularización y consolidación de este género musical, a mi humilde entender, además de ellos, fueron estos que les dejo a continuación, para que puedan conocer su historia, su discografía y escuchar sus temas si lo desean. 

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Big Joe Turner

Bill Haley

Bo Diddley

Buddy Holly

Carl Perkins

Chubby Checker

Chuck Berry

 

Eddie Cochran

Elvis Presley

Fats Domino

Gene Vincent

Jerry Lee Lewis

Larry Willians

Little Richard

Otis Blackwell

Ritchie Valens

Sister Rosetta

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SISTER ROSETTA THARPE, Todo sobre ella

 

Sister Rosetta Tharpe nació en Cotton Plant (Arkansas) el 20 de marzo de 1915 y falleció en Filadelfia (Pensilvania) el 9 de octubre de 1973, fue una destacada cantante de gospel y de rock and roll. Ampliamente considerada como la mejor guitarrista femenina de todos los tiempos, fue sobresaliente y virtuosa con la guitarra y su voz. Adquirió gran popularidad en los Estados Unidos en las décadas de 1930 y 1940 con su mezcla única de letras espirituales. 

Se convirtió en la primera gran estrella de la música gospel en los años 30 y es conocida como "Original soul sister" y "La Madre del Rock and Roll". Influyó de manera muy potente, como una tempranísima música de rock & roll, en Little Richard, Johnny Cash, Chuck Berry, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis. 

Sus padres eran recolectores de algodón y predicadores, comenzó a acompañar a su madre, Katie Bell Nubin, a la iglesia donde maravillaba a los feligreses, que se referían a ella como "el milagro del canto y la guitarra". 

En 1938 se trasladó con su madre a Nueva York. Allí, Rosetta entró primero a cantar al famoso Cotton Club y después se unió a la orquesta de Lucky Millinder, y pese a que su estilo principal era el góspel, sus incursiones en la música secular sentaron mal en su cercano y envolvente ambiente de intolerancia religiosa en el que vivía, y que consideraba cualquier alejamiento de la música religiosa un acto poco menos que diabólico. 

Por ello se vio obligada a tocar muchas veces en privado los temas de jazz, blues y swing en los que ponía tanta determinación como con los de góspel. Ella estaba dispuesta a cruzar líneas prohibidas, a romper barreras, a dejar que su carisma y su determinación pudieran transitar en otros estilos musicales en los que se desenvolvía con brillantez, pero el precio a pagar era muy alto. 

Su primer éxito, "Rock Me", tuvo inevitablemente una raíz gospeliana. Aquel año de 1938 actuaría en el Carnegie Hall en el concierto From Spirituals to Swing, donde algunos críticos y estudiosos ya veían la interpretación de los primeros temas de rock and roll de la historia. A mediados de los 40, Rosetta Tharpe logró un contundente éxito con el tema "Strange Things Happening Everyday", una canción que incluía toda una premonición sobre la posterior opacidad histórica que sufriría como artista, y donde se podía apreciar ya su particular y avanzada forma de rasgar las cuerdas de la guitarra, que iba más allá de los tradicionales acordes, situándose en el umbral del rock and roll. 

Sus grabaciones discográficas y éxitos se iban sucediendo. Sus matrimonios, también. Se casó tres veces. Pero fue su relación con la también cantante Marie Knight la que más dio que hablar. Con ella formó un dúo musical y, aunque ambas siempre lo negaron, era un secreto a voces que mantenían también una relación amorosa. Eran años de intransigencia absoluta y una relación homosexual era repudiada no sólo por la comunidad religiosa. Su relación con Marie Knight terminó cuando esta perdió a su madre y a dos de sus hijos en un incendio. Aquel fue el final de su vinculación, aunque volvieron a reunirse esporádicamente sobre un escenario años más tarde. 

Su popularidad comenzó a decaer en los años 50, pero su carrera aún experimentó un renacimiento en 1964 cuando emprendió una gira europea junto a Muddy Waters y otros artistas de blues. 

Memorable fue su actuación el 7 de mayo de aquel año en una estación de tren de Manchester, ya que la influencia e impacto que causó aquel concierto de góspel y blues en músicos británicos fue reconocida, entre otros, por Mick Jagger, Eric Clapton, Brian Jones y Jimmy Page.

En un intento de cruzar la línea entre la música sagrada y la laica tocando su música espiritual "luminosa" en la "oscuridad" de los clubes nocturnos y salas de conciertos, acompañada de grandes bandas, su idiosincrático estilo dejó una marca en los artistas gospel más convencionales. Aunque ofendió a muchos fieles con sus incursiones en la música rock, nunca dejó la música gospel. 

En 1970 sufrió un derrame cerebral y ese mismo año las complicaciones derivadas de su diabetes obligaron a amputarle una de sus piernas. Aunque llegó a ofrecer alguna otra actuación musical, tres años más tarde, el 9 de octubre de 1973, fallecía en Pensilvania, a la edad de 58 años. Fue enterrada en el cementerio de Northwood bajo una tumba sin lápida.

Cuando el mundo se volvió loco con el rock and roll a finales de los años cincuenta, Sister Rosetta llevaba 20 años tocando una Gibson E150 y haciendo una música que partiendo del góspel, el jazz y el blues había llevado en una dirección que bien se podría identificar como rock and roll. Aquella mujer que sonaba en las radios de las casas de los chicos negros y blancos fue la maestra de la siguiente generación. 

Aquí les dejo la mayoría de sus canciones que nos dejó grabadas, para que las conozcan y las escuchen, si ese es el deseo. ¡Que disfruten con su música!. 

"Up Above My Head I Hear Music In The Air" - "Strange Things Happening Everyday" - "Didn't It Rain" - "That's All" - "Rock Me" - "Down by the Riverside" - "Shout, Sister, Shout!" - "My Journey To The Sky" - "I Want a Tall Skinny Papa" - "Didn't It Rain Children" - "When I Come to the End of My Journey" - "This Train" - "Jericho" - "Can't No Grave Hold My Body Down" - "Two Little Fishes And Five Loaves Of Bread" - "Up Above My Head There's Music in the Air" - "This Little Light Of Mine" - "Nobody's Fault But Mine" - "Nobody Knows, Nobody Cares" - "Don't Take Everybody To Be Your Friend" - "Sit Down" - "Up Above My Head" - "When The Saints Go Marching In" - "Precious Lord, Hold My Hand" - "Let That Liar Alone" - "My Man And I" - "God Don't Like It" - "How Far From God" - "God Lead Us Along" - "Old Time Religion" - "Four or Five Times" - "Singing in My Soul". 

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RITCHIE VALENS Todo sobre él

 

Richard Steven Valenzuela nació en Pacoima un barrio de la ciudad Los Ángeles (California) el 13 de mayo de 1941 y falleció en Clear Lake (Iowa) el 3 de febrero de 1959, conocido artísticamente como Ritchie Valens, era hijo de Joseph Steven Valenzuela y Concepción Reyes, los cuales eran originarios de México. Fue un músico, compositor, cantante y guitarrista de origen mexicano. Es considerado como uno de los pioneros del rock and roll, y el primero que cantó ese género en español. 

Creció escuchando música tradicional mexicana, así como la guitarra flamenca, R & B y blues. Él siempre  expresó interés en hacer su propia música a la edad de 5 años. Su padre Joseph, fue quien lo alentó a aprender a tocar la guitarra y la trompeta, y posteriormente, se hizo autodidacta de la batería. Aunque Ritchie era zurdo, estaba tan ansioso por aprender a tocar la guitarra que dominó la versión diestra del instrumento. 

Asistió a la escuela secundaria Pacoima Junior High School, su dominio de la guitarra era tal que llevaba el instrumento musical a la escuela y le cantaba a sus amigos y compañeros de clase en las gradas. Cuando tenía 16 años, fue invitado a unirse como guitarrista a una banda local llamada "The Silhouettes", y cuando el vocalista principal dejó el grupo, Ritchie asumió esa posición, el 19 de octubre de 1957 hizo su debut con ellos. Además de las presentaciones con The Silhouettes, tocaba como solista en fiestas y otras reuniones. 

En mayo de 1958, fue descubierto por Bob Keane, propietario y presidente de la compañía Del-Fi Records, un pequeño sello discográfico de Hollywood. A ellos llegó el comentario de un nuevo talento proveniente del Valle de San Fernando, un joven de solo 16 años, que tocaba en un grupo, llamado The Silhouettes, y era llamado el "Little Richard regional", en alusión al famoso músico de rock de aquel nombre.

En 1958, grabó sus dos primeras canciónes, "Come On, Let's Go" y "Framed". El siguiente disco, el último de su vida, el sencillo "Donna" y "La Bamba". 

Aquel 3 de febrero de 1959 en la madrugada, en medio de una gran tormenta de nieve, con visibilidad nula, entre nubes y campos absolutamente blancos, la avioneta en que viajaba, en lugar de subir, bajó, y se estrelló a 8 km de despegar en un campo cercano al aeropuerto. No hubo sobrevivientes.​

Además de Ritchie con 17 años, murieron aquel día Buddy Holly con 22, The Big Bopper con 28, y el piloto Roger Peterson con 21 años. Años después sería llamado aquel accidente: "El día que murió la música", recordado en la balada de Don McLean, "American Pie". 

​En 1988, Ken Paquette el artista y admirador de la música de los años 50, erigió un monumento en el campo donde se estrelló el avión. El monumento en acero, representa una guitarra de metal y tres discos con los nombres de cada uno de los artistas que murieron en el accidente. 

Ritchie Valens fue un pionero del rock chicano y del rock latino, inspirando a muchos músicos de ascendencia mexicana. Influyó en artistas como Los Lobos, Los Lonely Boys y Carlos Santana, ya que Ritchie Valens había alcanzado el éxito a nivel nacional en una época en la que muy pocos latinos estaban en el rock and roll y la música pop estadounidenses. Se le considera el primer latino en cruzar con éxito al rock convencional. 

Su tema, "La Bamba", resultó ser su grabación más influyente, no sólo por convertirse en un éxito en las listas de éxitos cantado íntegramente en español, sino también por su exitosa combinación de música tradicional latinoamericana con rock. Su familia tan sólo hablaba inglés en casa y él sabía muy poco español, y tuvo que aprender fonéticamente la letra para grabarla en el idioma español. 

Su forma de tocar la guitarra es una de sus primeras influencias en su estilo, también inspiró a Jimi Hendrix, Carlos Santana, The Beatles, The Beach Boys y Led Zeppelin, entre otros. 

Ritchie Valens obtuvo de forma póstuma una estrella en el Hollywood Walk of Fame en 1990 y en 2001 fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame. Su labor pionera en la historia del Rock and Roll es recordada por el Rockabilly Hall of Fame. 

Para muchos, Valens tenía potencial de estrella, pero solo alcanzó a grabar una seria corta de canciones durante su corta edad musical. Ellas fueron: "Come On, Let's Go! - "Framed" - "Donna" - "Fast Freight" - "That's My Little Suzie" - Little Girl" - "Stay Beside Me" - "The Paddiwack Song" y "La Bamba". ¡Que disfruten con su música!. 

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OTIS BLACKWELL, Todo sobre él

 

Otis Blackwell nació en Brooklyn (Nueva York) el 16 de febrero de 1931 y falleció en Nashville (Tennessee) el 6 de mayo de 2002, fue un cantante, compositor y pianista pionero del rock and roll. Siendo un niño estudió piano y creció escuchando R&B y música country. 

En 1952 ganó un concurso de talentos locales en el Teatro Apollo de Harlem que le valió un contrato discográfico con RCA y después con Jay-Dee donde grabó su primera composición "Daddy Rolling Stone", la cual en 1953 sería versionada por el grupo The Who. 

Tuvo su primer gran éxito en 1956 cuando Little Willie John grabó "Fever". En 1958, la versión de Peggy Lee se convierte en un éxito aun mayor y la canción es nominada a tres Premios Grammy en las categorías de mejor interpretación vocal femenina, mejor canción del año y mejor disco del año. 

También en 1956 compuso, "Don't Be Cruel", inicialmente ofrecida a The Four Lovers, el grupo de Frankie Valli, aunque finalmente fue un emergente Elvis Presley el que se hizo con la canción, que fue incluida como cara B del sencillo "Hound Dog". La asociación con Elvis Presley continuó con temas como "Paralyzed" y "All Shook Up" en 1957, o "Return to Sender" de 1962 entre otras. 

En 1957 escribe para Jerry Lee Lewis el tema "Great Ball of Fire" uno de los sencillos más exitosos de la historia con más de un millón de copias vendidas solo en los primeros diez días de su lanzamiento. En 1958 Jerry Lee repetiría éxito con "Breathless".

En 1959 cosecha dos nuevos éxitos "Hey Little Girl" interpretada por Dee Clark, así como "Handy Man" inicialmente grabado por Jimmy Jones, pero que llevaría a la fama la versión de James Taylor en 1977. 

Blackwell fue un gran desconocido en su época, la mayoría de sus composiciones las firmó bajo el seudónimo de "John Davenport" porque "sonaba más blanco". A lo largo de su vida, compuso más de mil canciones, obteniendo unas ventas mundiales de cerca de 200 millones de discos, sin embargo llevó una vida modesta ya que siempre vendió los derechos originales de sus canciones a las grandes compañías por apenas una miseria. 

Otis Blackwell fue incluido en el Salón de la Fama de Compositores de Nashville en 1986 y en 1991 en el Salón de la Fama de los Compositores de la Academia Nacional de la Música Popular norteamericana. El momento culminante en su vida llegó a finales de los 80 cuando la "Coalición Black Rock", una prominente organización de músicos negros de rock, encabezados por Vernon Reid, el guitarrista principal de la banda Living Colour, celebraron un homenaje para él en el Prospect Park Bandshell en su Brooklyn natal. 

Blackwell fue galardonado con el Premio Ahmet Estegun en el Salón de la Fama del Rock. Este galardón premia a los profesionales que trabajan detrás de la escena en la industria musical. 

Entre sus canciones más relevantes se encuentran: "Fever", "Great Balls of Fire" y "Breathless", "Don't Be Cruel", "All Shook Up", "Return to Sender" o "Handy Man". Sus obras han sido inmortalizadas por multitud de artistas, incluyendo a Jerry Lee Lewis, Ray Charles, Otis Redding, James Brown, The Who, Johnny Thunders, Billy Joel, James Taylor, Dolly Parton, Elvis Presley, Conway Twitty, The Judds, Carl Perkins y Peggy Lee, entre muchos otros. 

Otis Blackwell es considerado como uno de los más grandes compositores de R&B de todos los tiempos, ayudó a redefinir la música popular en América en la década de 1950 y contribuyó a inventar el lenguaje musical del rock and roll en sus inicios. 

Falleció el 6 de mayo de 2002 en Nashville a los 72 años, víctima de un fallo cardíaco, tras más de una década sufriendo una parálisis cerebral. Está enterrado en el Woodlawn Memorial Park Cemetery de la capital del Country. 

Les dejo a continuación estos dos álbumes de los nos dejó grabados, para que escuchen sus temas, si así lo desean. ¡Que disfruten con su música!. 

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"Singin' The Blues"
Grabado en 1957

Está compuesto por estas catorce canciones:

"Daddy Rollin' Stone" - "Tears, Tears, Tears" - "On That Power Line" - "Don't Know How I Loved You" - "Go Away Mr. Blues" - "Ain't Got No Time" - "You Move Me, Baby" - "My Poor Broken Heart" - "Let The Daddy Hold You" - "You're My Love" - "I'm Standing At The Doorway To Your Heart" - "I'm Coming Back Baby" - "My Josephine" y "I'm Travellin' On". 

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"These Are My Songs!"
Grabado en 1977

Está compuesto por estas doce canciones:

"All Shook Up" - "Fever" - "Back Trail" - "Daddy Rollin' Stone" - "Great Balls Of Fire" - "Don't Be Cruel" - "Searchin'" - "Let's Talk About Us" - "Hey Little Girl" - "Breathless" - "Handy Man" y "Return To Sender". 

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