La música es una parte esencial de todas las personas, ya que escuchar música no solo es una actividad que realizamos a solas, en nuestra vida cotidiana, sino que también es una herramienta para compartir y socializar. Y, cada vez más, nuevos artistas incursionan en distintos géneros y expanden el universo musical. ¡Vamos a conocerla!.
James Douglas "Jim" Morrison nació en Melbourne (Florida, EE.UU) el 8 de diciembre de 1943, vocalista de The Doors, está considerado como uno de los cantantes más populares, influyentes y carismáticos de la historia del rock y el quinto mejor vocalista de todos los tiempos.
Los seis discos de estudio que grabó con sus compañeros Ray Manzarek, Robbie Krieger y John Densmore, incluyen piezas musicales de antología que han hecho las delicias para los amantes del rock clásico. Morrison, hasta hoy, aún es considerado el arquetipo perfecto de la estrella de rock: voz privilegiada, mirada magnética, hosco, misterioso, inspirador, escandaloso y poseedor de un sex appeal natural.
Nacido como James Douglas Morrison el 8 de diciembre de 1943, el “rey lagarto” antes de probar suerte en la escena musical ya estaba especialmente obsesionado con la poesía simbolista francesa y los mitos y religiones de las culturas de los nativos americanos.
También era un consumidor habitual de alcohol y varios tipos de sustancias psicoactivas (LSD, cannabis y peyote), las que defendía porque lo ayudaban, en su opinión, a alcanzar otros estados superiores de conciencia, con un mayor equilibrio espiritual y paz interior (curiosamente, Morrison jamás se mostró especialmente entusiasmado con la heroína, principalmente por su declarada fobia a las agujas).
Después de la grabación del disco "L.A. Woman", Jim Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó en marzo de 1971 a Francia, tierra del existencialismo, con su novia Pamela Courson.
Pero el 3 de julio de ese mismo año la misma Pamela lo encontró muerto en la bañera de su piso del barrio del Marais. El parte médico estableció que el cantante murió por un fallo cardiaco agravado por el abuso de alcohol, pero nunca se realizó una autopsia en regla debido a que no se evidenció violencia en su muerte.
Morrison fue enterrado en París, en el cementerio de Père-Lachaise, convertido en la actualidad en un lugar de peregrinación para fans de todo el mundo (su tumba, de hecho, es el cuarto lugar más visitado por los turistas en la capital francesa, después de la Torre Eiffel, la catedral de Notre Dame y el Centro Pompidou).
La actual lápida, colocada por los padres del cantante en 1991, dice en griego antiguo: “Kata Ton Daimona Eaytoy”, que significaría “Fiel a su propio espíritu divino dentro de él”, aunque otros afirman que significa “De acuerdo a su propio demonio”.
Falleció el 3 de Julio de 1971 a la temprana edad de 27 años.
Este álbum no solo fue uno de los discos más importantes para la evolución del rock psicodélico, es también una de las grabaciones más aclamados en toda la música popular.
Este álbum contiene "Moonlight Drive", que fue una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors, dicho tema fue originalmente grabado en 1965 (una demo), después nuevamente en 1966 (pensada para el álbum de debut), y finalmente la versión final en 1967, que fue lanzada en este álbum, también se incluye "Horse Latitudes", que es un poema que Jim Morrison escribió en su adolescencia.
Este álbum no tuvo tanto éxito como los anteriores, quizá debido a un sonido algo diferente, pues la integración de instrumentos de bronce y cuerdas y el mayor peso del guitarrista Robby Krieger en la gestación del disco serçian los motivos, incluso así, mantiene el carácter intelectual que caracteriza a esta banda californiana.
Este álbum marcó el regreso de la banda al blues y el rock psicodélico tras la recepción fría de sus fanáticos del álbum de 1969 The Soft Parade. La banda también incursionó en otros géneros como el hard rock, el raga rock e incluso tintes de jazz. Así mismo las letras de Morrison se hicieron mucho más profundas.
Este álbum es casi exclusivamente de blues, un estilo que en trabajos anteriores no había sido más que una influencia, aunque cada vez más marcada y ya predominante en el anterior "Morrison Hotel". Fue el último disco que grabó Jim Morrison, ya que falleció tres meses después.
Raymond Rogers, más conocido como Freaky Tah, nació el 14 de Mayo de 1971 en Queen (Nueva York), fue miembro del grupo llamado Lost Boyz, junto con Mr. Cheeks, DJ Spigg Nice y la agradable Pretty Lou.
Freaky y sus amigos solían vender droga para llegar a fin de mes hasta que vieron como disparaban a otro camello, partir de entonces se centraron en el hip hop y rap.
Freaky Tath empezó a rapear cuando estaba en la escuela secundaria y en 1955, junto a su banda, lanzaron su primer disco llamado “Legal Drug Money”. Años más tarde, editaron “Love”, su segundo disco que incluía uno de sus máximos hits: “Reneé”, una canción que habla sobre el sufrimiento de un hombre tras perder a su novia en un tiroteo.
A pesar del éxito, los Lost Boyz mantenían el contacto con los jóvenes del barrio marginal del que procedían, organizando conciertos en los que predicaban en contra de la droga y la violencia.
En la noche del 28 de marzo de 1999, durante la celebración del cumpleaños de Mr. Cheeks, Freaky Tah recibió un disparo en la cabeza cuando salía del hotel Sheraton, en Queens. Un hombre se acercó a él por la espalda, le disparó en la nuca y, tras hacer varios disparos al aire para evitar que nadie se acercase, se dió a la fuga en un coche que le esperaba cerca.
Tah fue llevado de urgencia al Hospital Jamaica, donde fue declarado oficialmente muerto a las 4:20 horas am.................. Tenía 27 años.
Jesse Belvin Lorenzo, nació el 15 diciembre 1932 en Texarkana (Texas), y a los cinco años se trasladó con su familia a Los Angeles, era un cantante, compositor y pianista de R & B, popular en la década de 1950, cuyo éxito se vio truncada por su muerte en un accidente automovilístico.
En 1950 se unió el saxofonista de Big Jay McNeely's respaldo cuarteto vocal, tres puntos y un guión y un lugar destacado en sus lanzamientos de discos. Aunque sus primeros discos en solitario no tuvieron éxito, su cuarto disco, "Dream Girl", acreditado a Jesse & Marvin y con Marvin Phillips en el saxofón, alcanzó el número 2 en las listas de R & B en 1953.
Luego fue reclutado en el ejército, pero continuó escribiendo canciones. Su composición "Earth Angel", con el tiempo co-acreditado a Belvin y Hollywood Flames cantantes Curtis Williams y Gaynel Hodge después de una disputa legal, fue registrado por Los Pingüinos , y se convirtió en uno de los primeros R & B escoge para cruzar en las listas de éxitos, vendiendo un millón de copias en 1954-1955.
En 1956, firmó un contrato con Modern Records, pero también siguió cantando para otras etiquetas con diferentes nombres, y su mayor éxito fue "Goodnight My Love", que alcanzó el número 7 en la lista de R & B, que según los informes, el piano en la sesión fue interpretado con 11 años de edad, Barry White, este tema se convirtió en el tema de cierre de Alan Freed de rock and roll programas de radio.
Otras grabaciones de Belvin de Modern tuvieron menos éxito, y en 1958 se registraron en Dot Records con un grupo, los escudos, que incluía el cantante Frankie Ervin y el guitarrista Johnny "Guitar" Watson.
Su disco "estafado", alcanzó el número 15 en la lista pop de Estados Unidos y número 11 en la lista de R & B. También grabó con Eugene Iglesia como las camarillas en un menor éxito solo, "Chica de mis sueños", que era cubierto por los cuatro amantes, dos de cuyos miembros incluyendo Frankie Valli luego se convertiría en el Four Seasons. Inspirado por su esposa y manager Jo Ann para desarrollar su estilo, firmado con RCA Records en 1959, e inmediatamente tuvo un Top 40 con "Guess Who", escrito por su esposa. También grabó un álbum, "Just Jesse Belvin", desarrollando un sonido más maduro y sofisticado en las baladas.
Su estilo fue influenciado por Nat "King" Cole y Billy Eckstine , y se convirtió en un modelo para Sam Cooke y otros. Él adquirió el apodo de "Mr. Easy", y la compañía discográfica comenzó a moldear como una estrella potencial de cruce para el público blanco.
Se registró una nueva serie de pistas a finales de año, con el arreglista Marty Paich y una orquesta incluyendo el saxofonista Art Pepper. Las canciones incluidas cubiertas sentimentales de estándares como "Blues in the Night", "In the Still of the Night", y "Makin' Whoopee", y se emitieron en el álbum "Mr. Easy".
Sin embargo, antes de la publicación del álbum, y poco después de terminar una actuación en Little Rock en un proyecto de ley con Sam Cooke, Jackie Wilson, y Marv Johnson, Belvin y su esposa murieron en un choque frontal en Hope (Arkansas). Este concierto fue el primer concierto ante un público integrado en la historia de Little Rock, y fue detenido en dos ocasiones por las interrupciones de los blancos en la audiencia, gritando epítetos raciales e instando a los adolescentes blancos en la asistencia a salir a la vez. También ha habido varias amenazas de muerte en Belvin previos al concierto, lo que dio lugar a especulaciones de que su coche había sido manipulado antes del accidente. La causa real del accidente fue que el conductor que se durmió y perdió el control. El conductor había sido despedido recientemente por haberse quedado dormido al volante por otro acto musical.
Falleció el 6 de febrero de 1960 en Fairhope (Arizona). Tenía 27 años.
Janis Lyn Joplin fue una de las mejores cantantes (personalmente creo que la mejor vocalista blanca que ha existido) de rock y blues de todos los tiempos, ella nació en Port Arthur, una típica ciudad petrolera de Texas, el 19 de enero de 1943, las historias de su adolescencia hablan de una jovencita tímida y reservada que, a los 17 años, decidió cambiar de vida y de carácter debido a su pasión por la música.
Los ídolos de Janis, hija de un empleado de una compañía petrolera y de una ama de casa procedente de Nebraska, eran los venerables Leadbelly, Rose Maddox y Woody Guthrie, pero sobre todo fue Bessie Smith, una estupenda intérprete de color, la que suscitó en ella el deseo de emularla. Tanto es así que Janis, en una entrevista en la que repasaba toda su carrera, dijo: "Bessie Smith fue el ejemplo que elegí cuando empecé a cantar, fue Bessie la que me mostró el camino".
Tras graduarse en mayo de 1960, Janis empezó a actuar en los locales de la zona, individualmente y con un grupo de acompañamiento tradicional, The Walker Creek Boys, especializado en música bluegrass. Con Janis como vocalista, Lanny Wiggins al bajo y Powell St. John a la armónica, el grupo permaneció unido bastantes meses, hasta que la joven cantante descubrió su espíritu vagabundo.
En 1961 vivió y cantó en Austin, en 1962 sufrió el influjo del movimiento beatnik, padre del hippie, y viajó por las "comunas", que precisamente en esa época empezaban a surgir en San Francisco y Los Angeles. En la época de Austin, actuaba en solitario en el Coffee Gallery, donde se encontró con su amigo músico Nick Gravenites, acompañándose con el autoharp, o bien con músicos de paso, entre los que se encontraba el entonces desconocido Jorma Kaukonen, futuro guitarrista de Jefferson Airplane.
En 1962, Janis grabó por primera vez, aunque sólo se trataba de un "jingle" publicitario para un banco, interpretado sobre la melodía de 'Thls land is your land' de Woody Guthrie.
Por invitación del poeta y empresario musical Chet Helms, que había quedado fascinado con sus espectáculos téjanos, Janis Joplin se trasladó a San Francisco, allí trabajaba esporádicamente y empezó a aficionarse a un peligroso estilo de vida a base de alcohol y metedrina, la más popular de las anfetaminas por aquel entonces. Después de un período de hospitalización a causa de una intoxicación de estupefacientes, Janis regresó a casa.
Pero en otoño de 1964 estaba de nuevo en San Francisco, donde la escena musical de la llamada Bay Area se hallaba en plena efervescencia creativa. En el Longshoreman's Hall tocaban The Charlatans, The Marbles y Great Society, en el Avalon Ballroom, el local dirigido por Chet Helms, actuaban Big Brother and The Holding Company, el grupo al que Janis Joplin uniría su carrera artística, con Helms como manager.
La única huella discográfica de Janis Joplin del período precedente a la unión con Big Brother es un disco difícil de encontrar, "Janis/Early Performances", editado en 1975, la mayor parte de las canciones incluidas en el álbum fueron grabadas en directo en Austin, las restantes en San Francisco, con The Dick Oxtot Jazz Band, se trata de clásico country-blues y folk, como "Silver thread and golden needles", "Walk right in", "Careless love" y "Stealin'', afrontados por una cantante agresiva pero aún demasiado verde.
El encuentro decisivo con Big Brother fue propiciado por Chet Helms, pues en el verano de 1966, el grupo, compuesto por el bajista Peter Albin, los guitarristas Sam Andrew y James Gurley y el batería Dave Jetez, estaba dividido por peleas internas, con gran contrariedad del manager, que decidió unir a la banda una cantante. Por otra parte, Helms había encontrado particularmente interesantes las pruebas de Great Society con Grace Slick como cantante, y de los primeros Jefferson con Signe Anderson. Janis, localizada en Austin, donde todavía estaba refugiada, aceptó con entusiasmo. Con Big Brother, por primera vez, Joplin se encontró acompañada de un grupo eléctrico y, además, demasiado indisciplinado desde un punto de vista instrumental: a menudo desafinaban, y, si no, estaban fuera de tiempo. Pero Janis, que mientras tanto había madurado vocalmente, no tardó en asumir con carácter y decisión la dirección del grupo. Gracias a su energía y a la capacidad de "sufrir" durante la interpretación de los temas, Janis Joplin se convirtió en una de las principales atracciones de San Francisco, junto a Grateful Dead, Country Joe and The Fish y Quicksilver Messenger Service. Uno de los puntos fuertes de la cantante, dotes vocales aparte, era precisamente ese "sufrimiento" sobreactuado. Janis sabía transmitir al público una gran dosis de inquietud, expresando auténtica pasión y tormento con una música influida por las frustraciones e insatisfacciones ligadas a su desordenada vida privada. A principios de 1967, el grupo firmó con la compañía Chicago Mainstream y grabó un primer álbum, titulado "Big Brother and The Holding Company", que, sin embargo, no fue publicado hasta el Festival Pop de Monterey de agosto de 1967, donde Janis obtuvo un gran éxito personal.
Por una extraña coincidencia, el Festival de Monterey marcó el triunfo de tres artistas hasta entonces poco conocidos, esos eran: Janis Joplin, Jimi Hendrix y Otis Redding fueron los auténticos monstruos de la gran reunión. los tres despegaron juntos, y también por una trágica ironía de la suerte, los tres morirían en el transcurso de los tres siguiente años.
Este primer álbum, que mostraba a Joplin y a su banda en directo, apenas reflejaba la carga expresada sobre el escenario de Monterey por Big Brother.
En septiembre salió el segundo álbum, "Cheap Thrills", con el verdadero semblante de Janis y de sús hombres, por fin, puesto al descubierto.
En Columbia se convencieron definitivamente de la conveniencia de la adquisición después del excepcional triunfo, el primero, en la Costa Este, en el Anderson Theatre de Nueva York, en febrero de 1968. "Cheap Thrills", con la preciosa portada del dibujante de historietas underground Robert Crumb, es uno de los mejores testimonios del llamado acid-rock.
Janis Joplin, con interpretaciones roncas y realistas, que se adaptan bien a la ruda esencia de Big Brother, es incluso capaz de reinventar la melódica "Summertime", de George Gershwin, en clave dramática, y ofrecer el máximo de su personalidad en "I need a man to love", compuesta por ella junto a Sam Andrew. Pero en "Ball and chain" y "Piece of my heart", además, se supera a sí misma, ya que la cantante de blues triste y fanfarrona, a quien pertenece la frase "cuando doy un concierto hago el amor con 25.000 personas, pero después, cuando vuelvo a casa, estoy sola", había logrado la mejor manera de contar todo su sentimiento de vulnerabilidad y su necesidad desesperada de afecto.
Y cuando no está Janis para crear con su voz una atmósfera tensa y afilada como el filo de un cuchillo, entra Sam Andrew con su distorsionada guitarra, para elevar la tensión. "Cheap Thrills" vendió un millón de copias, pero creó fricciones insalvables entre la cantante y el grupo.
Elevada hasta el rango de estrella, Janis empezó a sentirse limitada por sus viejos compañeros, más que la embriaguez del éxito, para separar las proezas de Joplin de las de The Big Brother fue fundamental la conciencia de que un ciclo que se había cerrado, la chica de Texas invitada a unirse a la banda de San Francisco ya había revelado una carga decididamente superior a la de sus compañeros, y si añadimos además, los contrastes entre Janis y sus músicos eran evidentes desde los tiempos de Monterey.
Efectivamente, según Big Brother la cantante tendía a no dejar lugar a los otros elementos de la banda y, además, su carácter agresivo e inestable se volvía inaguantable cuando había droga por medio. Por el contrario, Janis podía reprochar a Big Brother no ser lo suficientemente creativos en directo, cuando se trataba de improvisar, y en estudio, cuando llegaba el momento de experimentar nuevas soluciones sonoras.
El divorcio, oficialmente, fue amigable, y se retrasó lo suficiente para concluir un buen número de conciertos que ya estaban organizados. Janis y Big Brother se portaron como dos cónyuges maduros que esperan, antes de separarse, que los hijos se hayan hecho mayores, tan sólo un incidente turbó la gira de despedida, pues durante un concierto en Minneapolis, mientras Janis Joplin, jadeante, tomaba aliento entre una canción y otra, Peter Albin se acercó al micrófono y, señalando a la cantante con su instrumento, dijo: "¡Un poco de paciencia, estamos haciendo nuestra imitación de Lassie!". Es inútil decir que la Joplin vertió "en directo" una serie de improperios dirigidos al bajista.
Por lo que respecta a algunos hechos, el fin de la colaboración entre Janis y Big Brother fue similar a lo que sucedió en otros grupos. Le había ocurrido a Grace Slick, que había dejado plantado Great Society para entrar en Jefferson Airplane, y también al miembro fundador de Quicksilver Messenger Service, Jim Murray, que fue alejado de su banda. Junto a la exigencia de los "big" de trabajar con otros artistas más dotados, en la base de estos cambios estaba la precisa elección comercial de las compañías discográficas de no apostar por caballos cojos, haciendo todo lo posible para favorecer a los músicos de más éxito. Todo esto quebrantaba el gran sueño de amor universal y de igualdad del flower-power.
Los nuevos músicos que Janis llamó a su lado, excepto el fiel Sam Andrews, fueron reclutados en el ambiente de los músicos de estudio, el grupo, fue rebautizado como The Kozmic Blues Band, incluía a Bill Kingal órgano, Brad Campbell al bajo, Ron Markovitz a la batería, además del saxofonista Terry Clements y el trompetista Marcus Doubleday. Esta banda llamada también The Janis Revue o The Main Squeeze, sin embargo, no alcanzó la altura de The Big Brother en sus mejores momentos. En ese momento, Janis, excesivamente aturdida por el éxito, o bien demasiado agobiada por las expectativas que se habían creado a su alrededor, empezó a dar pasos en falso. El deseo de experimentación la llevó a sustituir el sonido duro de los viejos compañeros de viaje por una pálida e impersonal aproximación al "Memphis-Detroit sound". Tanto fue así, que el debut en directo de la nueva formación, el 12 de diciembre de 1968, en la Stax Volt Convention de Memphis, fue un fracaso.
A pesar del cambio de músicos y de evolucionar hacia una mayor armonía, The Kozmic Blues Band continuaron sin potencia ni unidad en los siguientes conciertos, como el del 16 de agosto de 1969 en Woodstock, donde Janis tuvo una actuación muy inferior a aquella, fulgurante, de Monterey. "I got dem ol'Kozmic blues again mama", publicado en noviembre, mantenía la incógnita sobre la nueva carrera de Joplin y, en definitva, resulta un trabajo poco logrado. Aun más si se compara con el anterior "Cheap Thrills". Y no porque el talento de Joplin estuviera prematuramente extinguido, todo lo contrario: también hay algunas canciones inmejorables como "To love somebody", "Try" y "Maybe", para recordarnos de lo que es capaz Janis. Pero el disco en su conjunto, producido por Gabriel Mekler, contiene arreglos poco inspirados, algunas interpretaciones flojas y unas mezclas apresuradas.
El único e indiscutible punto fuerte de "I got dem ol' Kozmic blues again mama" es la voz de la cantante, más dura que nunca, impregnada de alcohol pero siempre extremadamente original. Por esa época, Janis estaba tan pegada al cuello de la botella que se habló de unas pieles regaladas a la cantante por su marca preferida, como pago por su publicidad indirecta. Poco después de las sesiones de grabación, Sam Andrew se fue y toda la banda se resquebrajó: en diciembre de 1969, los viejos fans de la Joplin recibieron la noticia con un suspiro de alivio. A los problemas creativos y psicológicos de Janis, en los últimos tiempos se habían añadido los problemas con la policía, ya que el 16 de noviembre de 1969, durante una actuación en Tampa, fue fuertemente multada por su lenguaje blasfemo.
El hecho, aparentemente insignificante, tuvo repercusiones, sobre todo por lo que respecta a los contratos para conciertos, fuera como fuese, la separación de The Kozmic Blues Band conjuró el peligro de que Janis se convirtiera en una descolorida copia de Aretha Franklin.
El tercer, y último, grupo de la cantante, The Full Tilt Boogie Band, debutó en directo el 12 de junio de 1970 en Lexington, Kentucky, este nuevo grupo sólo recogía del anterior período al bajista Brad Campbell y al guitarrista John Till, el sustituto de Sam Andrew en The Kozmic Blues Band, junto a ellos estaban Richard Bell al piano, Ken Pearson al órgano y Clark Pierson a la batería, el nuevo grupo fue de gira durante todo el verano con gran éxito: 40.000 fans les aplaudieron en el concierto final.
El 14 de octubre de 1970, durante la grabación del álbum "Pearl", afectuoso sobrenombre con el que era llamada, murió por una sobredosis de heroína. Ese día Janis debía ira buscar al aeropuerto a Seth Morgan, su novio, pero faltó a la cita, sorprendido, su manager, John Cooke, se acercó hasta la residencia de la cantante, Janis estaba muerta, con la cara contra el suelo, cerca de la puerta de su apartamento. El forense de Los Angeles encargado de descubrir las causas de la muerte no dejó duda alguna sobre éstas: toda la vida de Janis había transcurrido al lado de esa mortífera droga.
Tras su muerte, cierta prensa se distinguió por una auténtica operación de buitre en sus reportajes sobre la cantante y el mundo del rock en general, instigador de la droga, como probaba la desaparición en esa misma época de Jimi Hendrix. Al margen de las consideraciones morales sobre lo ocurrido y del moralismo fácil de los periódicos sensacionalistas, tuvo lugar la publicación de "Pearl", al que la banda había dado los últimos retoques, para enseñar la verdadera magnitud de la muerte de Janis, se trata, en efecto, de un álbum espléndido, cantado de forma magnífica: no precisamente, como se podía presumir, el trabajo de un artista drogadicto.
Janis Joplin, liberada de los excesos instrumentales de su trabajo anterior y haciéndose acompañar de una formación reducida y precisa, propone en "Pearl" un resumen completo de toda su obra, demostrando un estilo y un gusto nada manieristas. Janis Joplin está grandiosa, tanto en la dolorosa "A woman left lonely" como en "Mercedes Benz", definida, no se sabe hasta qué punto irónicamente, por la artista como "un tema de enorme significado social y político", sin quedarse atrás en la vivaz "Move over" y en la pasión rabiosa de "Me and Bobby McGee". Esta última composición, firmada por Kris Kristofferson, la hizo merecedora, postumamente, del trono de las listas de singles, y aún hoy es considerada una obra maestra.
Postumamente han salido álbumes de notable nivel, como "In Concert", donde el inmejorable acompañamiento de The Full Tilt Boogie Band permite óptimos repasos en directo de "Try" y "Ball and chain" y de las más recientes "Hall moon" y "Move over".
El doble álbum titulado "Janis", que incluye también material en directo junto a The Kozmic Blues Band, acompañó el estreno de una película documental sobre la cantante tejana, distribuida en 1975. En 1979, la vida de Janis inspiró "The rose", del director Mark Rydell, interpretada por Bette Midler, pero la única similitud entre el personaje de ficción de la película y la vida de la cantante tejana es la vida desordenada de ambas.
Posteriormente se ha demostrado que en la memoria de muchos prevaleció la imagen del personaje escandaloso más que la del artista, mientras Janis aún vivía, los medios informativos habían insistido sobre su bisexualidad, sobre su dependencia del alcohol, de las drogas, sobre la fragilidad del carácter de una artista descrita como si fuera la Judy Garland del mundo del rock, una visión parcial y reducida de la breve pero intensa carrera de Janis.
Aunque en el escenario hacía el amor con 25.000 personas (palabras suyas), Janis Joplin se volvía a casa sola, y sola murió, en el hotel Landmark en Hollywood. Pero su espíritu sigue vivo y no solo en su música, ya que hay quien dice que el fantasma de Joplin deambula por la habitación donde murió. Tenía........... 27 años.
Helmut Köllen nació en Colonia (Alemania) el 2 de marzo de 1950, al principio de su carrera musical, adquirió experiencia en varias bandas locales, ya en los años setenta, se convirtió en bajista y vocalista de la banda de rock progresivo Triumvirat, después de reemplazar a Hans-Georg Pape el anterior bajista de la banda, quien dejó el grupo antes de completar uno de los sus álbumes más exitosos, "Illusions on a Double Dimple".
Después del lanzamiento de ese álbum en 1974, Triumvirat con Helmut Köllen se embarcó en una gira por los Estados Unidos apoyando a Fleetwood Mac . En 1975, Köllen regresó al estudio junto con sus compañeros para grabar el álbum conceptual "Spartacus", y poco después del álbum, una gira por Estados Unidos. Durante ese año, Triumvirat también hizo una gira por Europa apoyando a Grand Funk Railroad. A finales de 1975, Köllen dejó Triumvirat para seguir una carrera en solitario, una vez que sus propias inclinaciones musicales comenzaron a alejarse de las del resto de la banda.
En 1976, el grupo alemán Jail lanzó su único álbum "You Can Help Me", que incluía a Köllen como músico invitado en algunas de las canciones (voz y guitarra), incluida la cara A del sencillo de la banda, "Julie". Köllen regresó brevemente a Triumvirat, pero nada salió realmente de esa reunión. A finales de 1976, Köllen comenzó a grabar lo que sería su único álbum en solitario "You Won't See Me", que lleva el nombre de una de las canciones de The Beatles que más le gustó, este álbum contó con Helmut Köllen en la voz y la guitarra (bajo, acústico y eléctrico), y también con el músico y primo Jürgen Fritz de Triumvirat, que tocaba teclados y ayudó a diseñar y producir el álbum junto con el entonces famoso ingeniero alemán y productor discográfico Conny Plank en "Conny's Studio" en Wolperath (Alemania). Otros músicos incluyeron a Dieter Petereit de Passport en el bajo, Mathias Holtmann tocando la batería, y entre varios coristas como Brigitte Witt y The Horn and String Section, la hermana de Köllen, Elke Köllen. En enero de 1975, Helmut Köllen apareció con Triumvirat en In Concert , un programa de televisión transmitido por ABC , tocando música de "Illusions" en un álbum "Double Dimple". Köllen también era un mecánico de automóviles y piloto de carreras experimentado, y tenía planes de continuar en esta área también en el futuro.
El 3 de mayo de 1977, falleció de intoxicación por monóxido de carbono a la edad de 27 años mientras escuchaba algunas de las pistas de estudio en el reproductor de casetes de su automóvil mientras encendía el motor en su garaje. Poco tiempo después de su muerte, el grupo alemán Birth Control escribió y grabó una canción como tributo a él titulada "We All Thought We Knew You", que apareció en su álbum de 1977 "Increase". Su álbum debut en solitario "You Won't See Me" fue publicado póstumamente por Harvest en Alemania en octubre de 1977. Está dedicado a sus padres.
Gary Mervin Thain nació el 15 de Mayo de 1948 en Christchurch (Nueva Zelanda), comenzó en su país tocando en la banda The Strangers, con quienes grabó un par de singles, tras lo cual se muda a Australia, uniéndose al grupo The Secrets. hacia 1967 se une a la banda New Nadir, y luego pasa a formar parte de la Keef Hartley Band, proyecto blues rock del batería Keef Hartley, con quienes graba seis álbumes, entre 1969 y 1972. fue un bajista de rock afincado en Inglaterra, mayormente conocido por haber sido parte de Uriah Heep, en la época dorada de la banda, a principios de los años 70. En septiembre de 1974, durante un show en Dallas (Texas), Thain recibió accidentalmente una descarga eléctrica, de la cual nunca se recuperaría completamente durante en el resto de su vida.
"Wonderworld" sería el último álbum de Gary Thain con Uriah Heep, ya que fue despedido de la banda a principios de 1975, debido a su drogadicción, siendo reemplazado por el exmiembro de King Crimson: John Wetton.
Gary Thain falleció el 8 de diciembre de 1975 en su domicilio, en Londres, debido a una sobredosis de heroína………….Tenía 27 años.
Freddy Molina Daza nació en Patillal (Valledupar/Colombia) el 4 de agosto de 1945, fue un compositor e intérprete colombiano de música vallenata. Aunque murió joven su carrera fue de las más productivas dentro del vallenato, dejando muchos recuerdos y fortaleciendo el folclore de la costa norte. Ya desde muy pequeño mostró las capacidades innatas para componer versos, que al transcurrir el tiempo, se convirtieron en los más populares cantos. Con notas melódicas narró en sus canciones las semblanzas naturales de los lugares bañados por el Río Guatapurí, dió a conocer en sus estrofas la hermosura de la histórica Malena, que es orgullo de los habitantes de su pueblo. Toda su obra se establece en el marco del estilo romántico depurado narrativo y costumbrista.
Sus canciones guardan un mensaje visionario, fue desde luego, un intérprete excepcional de la concertina y la guitarra. Otros títulos de sus obras: "Amor sensible", "A nadie le cuentes", "Los novios", "Tiempos de cometa" y "Virgen de las Mercedes". Todos sus cantos guardan un mensaje visionario. Fue un intérprete excepcional de la concertina y la guitarra. "El indio desventurado" es una especie de Romeo y Julieta a lo criollo. Paseo que narra un romance vivido por una pareja indígena de la Sierra Nevada de Santa Marta, hacia donde el hombre lleva a su amada para que no sufra los rigores de la ausencia.
Muere en Patillal, Cesar el 15 de octubre de 1972, a causa de un disparo accidental recibido de su hermano, que sufría de sonambulismo. Tenía....... 27 años.
Doris Alexandra Nefedov, nació el 19 de mayo de 1942 en Heydekrug (Lituania), fue una cantautora, cantante y guitarrista alemana de chanson y pop, utilizaba el nombre de Alexandra en su vida artística.
Hacia finales de la Segunda Guerra Mundial, su familia huyó de la ocupación del ejército Soviético que avanzaba imparable por el norte de Alemania. Su Infancia transcurrió en Kiel y Hamburgo, muy pronto aprendió a tocar la guitarra, comenzando también a escribir poemas y canciones.
A los 17 años soñaba primeramente con una carrera de diseñadora de modas, después de su graduación de la secundaria o Abitur alemán, se marchó a Hamburgo, donde concurrió a la Escuela superior de Modas.
Allí estudió diseño de telas, durante este período, y para poder mantenerse, trabajó en los más diferentes empleos, entre ellos secretaria, mecanógrafa y doncella, y gracias a esos esfuerzos, pudo ahorrar lo suficiente para comprarse su primera guitarra.
A los 19 años conoció en Hamburgo al emigrante ruso Nikolai Nefedov, de quién se enamoró, la joven estaba fascinada por su aparente actitud jovial y atractivo paterno, pese a los 30 años de diferencia entre ambos.
Tras el casamiento con Nefedov, Alexandra quiso emigrar con él a Estados Unidos, y desde allí conquistar el mundo, pero la felicidad fue de corta duración. Con 20 años dio a luz a su hijo Alexander. Agobiada por el rol de madre, la enérgica y determinada Alexandra pensaba que el sueño de una gran carrera como cantante y actriz serían ya imposibles. El matrimonio naufragó, y Nikolai Nefedov emigró solo a los Estados Unidos.
Alexandra intentó entonces terminar sus estudios y trabajó como dibujante. Mientras tanto, su madre se ocupaba del niño, ella ún vivía con sus padres en el barrio Hamburgués de Rothenburgsort. En este tiempo y estando en trámites de separación de su esposo se tomó unas vacaciones y en el verano de 1965 viajó a España con su amiga Karin pasando unos días en Castelldefels donde entabló amistad con un estudiante de derecho que le sirvió de "Cicerone" por Barcelona y con el que mantuvo una relación epistolar hasta pocos días antes de su mortal accidente.
Luego de finalizar su título de la Escuela de Actuación Margot-Höpfner, fue contratada por un teatro de Neumünster, y recibió lecciones de canto. Pronto fue descubierto su talento por el productor de discos Fred Weyrich, éste quedó impresionado por la profunda voz de la atractiva Alexandra con sus cabellos largos y oscuros.
El vio inmediatamente la oportunidad de colocarla en el mercado musical, explotando dichas facetas características de Alexandra. Con Hans R. Beierlein como mánager, Alexandra comenzó una ascendente carrera de estrella, con sus melancólicas canciones y aspecto tan particular, de un modo que no había aún sido explotado en el mercado pop alemán, la onda rusa. Dirigida por Hazy Osterwald, comenzaron las primeras giras a lo largo de Alemania y Rusia, tan admirada por Alexandra.
A los 25 años por fin llega el éxito para Alexandra: pudo colocar en las listas de charts sus dos canciones "Zigeunerjunge” (Chico Gitano) y "Sehnsucht” (Nostalgia). Sin embargo, esas canciones cortadas exactamente a su medida e imagen, no hacían feliz a la cantante y compositora Alexandra.
Ella pretendía más que susurrantes melodías eslavas folklóricas al estilo pop. Su productor contó luego que ella había odiado la canción "Sehnsucht", sólo una vez para la grabación la cantó, y con lágrimas en los ojos por el descontento.
Rápidamente se interesó también el exterior por el joven poco común talento, de la triste y ahogada voz. Alexandra, entendida también en lenguas, entabló contacto con los artistas franceses de la Chanson, como Salvatore Adamo, Gilbert Bécaud e Yves Montand.
De regreso a Alemania, comenzó una sólida amistad y colaboración artística con el compositor y cantante Udo Jürgens, y en 1969 Alexandra abandonó Hamburgo y se mudó a Múnich. Justo en ese entonces, debido a sus ininterrumpidas giras, comenzó a sufrir problemas personales, sobre todo su familia ejercía una fuerte presión sobre la nerviosa cantante.
Falleció en accidente tráfico el 31 de julio de 1969 en Tellingstedt/Schleswig Holstein (Alemania)............ Tenía 27 años.
Patrick Lamark Hawkins nació el 4 diciembre 1970 en Houston (Texas), más conocido por su nombre artístico "Fat Pat" y también como "Mr. Fat Pat", fue un rapero que era un miembro de la DEA (Dead End Alianza) con su hermano John "Big Hawk" Hawkins y DJ Screw , y Kay-K, todos los miembros originales de la Screwed Up Click .
El 3 de febrero de 1998 con 27 años, Hawkins fue disparado fatalmente en South Drive (Houston), después de ir al apartamento de un promotor para cobrar una tarifa de la apariencia, el promotor no estaba en casa y le dispararon en el pasillo fuera de la vivienda. Ocho años más tarde, su hermano, el rapero Big Hawk también fue muerto a tiros.
Tras la muerte de la patente en 1998, los compañeros de Screwed Up Click y Wreckshop Registros rapero D-Reck decidieron hacer un documental que combina material de archivo tanto antiguos como nuevos de Fat Pat y miembros de las dos camarillas rap. La película de 50 minutos, "Fat Pat - Ghetto Dreams", fue lanzada en 1999 y re-lanzado en DVD un año más tarde como una característica doble con otra película protagonizada por hecho SUC-Moe grande titulado "La película Mann!".
David Michael Alexander "Dave Alexander" nació el 3 de Junio de 1947 en Lago Whitmore (Michigan), fue un músico estadounidense, conocido como el bajista original para influyente protopunk banda de The Stooges .
Cuando Iggy Pop & The Stooges apareció en escena todas las miradas estaban puestas sobre "La iguana", pero hay quienes aseguran que el bajista no se quedaba atrás. David Michael Alexander fue el bajista y miembro fundados de los Stooges, participo de los dos albúmes más conocidos de la banda "Funhouse" y "Raw Power".
La mala noticia ocurrío un 10 de febrero de 1975 cuando un edema pulmonar termino con su vida a los 27 años... el excesivo consumo de alcohol fue la causa principal... otra vida pérdida por esos estúpidos conceptos de "vivir como un rockstar".
Mike Watt menciona a Alexander por su nombre en su canción, "The Angels Gate", en su álbum de 2004 soporte medio de la Secondman , momento en el cual Watt había sustituido a Alexander en los Stooges reformados. En la primera actuación de vatios con los Stooges en el Festival de Música y Artes de Coachella Valley en mayo de 2003, que llevaba puesta una camiseta de Dave Alexander en su homenaje.
Dennes Dale Boon “D. Boon”, nació el 1 de Abril de 1958 en Napa (California). Su familia vivía en un antiguo cuartel del Ejército que había sido convertido en viviendas.
D. Boon y Mike Watt se conocieron a la edad de 13 años. Watt estaba paseando por un parque de su ciudad (San Pedro, California), cuando Boon, que jugaba a los soldados con otros niños, se cayó de un árbol al lado de Watt, y descubrió que sus amigos lo habían dejado tirado.
Ambos chicos compartían una gran pasión por la música, la madre de Boon le enseñó a tocar la guitarra y propuso a Watt que aprendiera a tocar el bajo. Al principio Watt no sabía la diferencia entre un bajo y una guitarra convencional, finalmente ambos aprendieron música juntos, sobre todo versionando a los artistas que admiraban.
En el verano de 1973, Watt y Boon formaron la Bright Orange Band, con el hermano de Boon en la batería, en 1976 descubrieron el punk, pero poco antes la banda se había disuelto debido a la muerte de la madre de Boon.
Al año siguiente, los dos ingresaron en una banda llamada Starstruck, y tras la ruptura de esta banda, Boon y Watt conocieron al baterista George Hurley y formaron The Reactionaries junto al vocalista Martin Tamburovich.
En enero de 1980, tras la disolución de Reactionaries, Boon y Watt formaron Minutemen. Watt ha afirmado que su nombre no tiene nada que ver con la brevedad de sus canciones, sino con las milicias "Minutemen" de las trece colonias y también para satirizar a un grupo reaccionario de derechas de los años 60 que llevaba ese nombre. Tras un mes sin baterista, la banda ensayó y tocó un par de conciertos con Frank Tonche en la batería.
El grupo quiso tener desde un principio a George Hurley, que ya había trabajado con ellos en Reactionaries, pero él ya estaba en otra banda llamada Hey Taxi!. Tonche abandonó el grupo, argumentando que al público no le gustaba cómo sonaba aquello, y finalmente Hurley tomó los mandos de la batería en junio de 1980.
Su primer concierto fue como teloneros de Black Flag. El 13 de diciembre de 1985, la banda abrió a REM en Charlotte (Carolina del Norte), mientras que los Minutemen estaban apoyando su disco de versiones "3-Way Tie". REM invitó a la banda para unirse a ellos en el escenario durante el bis y sería la última vez que Watt tiempo volvería a jugar con su amigo de la infancia.
Nueve días después, el 22 de diciembre de 1985, en Tucson (Arizona), la camioneta en la que viajaba Boon se salió de la carretera, y fue expulsado por las puertas traseras, murió en el acto con el cuello roto, este hecho puso fin a Minutemen. Watt cayó en una profunda depresión, pero la banda Sonic Youth o Ed Crawford, entre otros, le convencieron para que continuara tocando y componiendo música. Desde entonces, cada acto musical que realiza o en el que participa Mike Watt siempre se lo dedica a su amigo D. Boon, el cual el día de su muerte tenía 27 años.
